Voici la troisième partie de l’analyse des proportions d’une tête d’adulte de FACE.
Pour mémoire, j’ai réalisé ces analyses à partir de la photo de la tête d’une jeune femme de la fin du XIXe siècle ou du début du XXe siècle. La source photographique est la “Collection of the Australian National Maritime Museum”. Je rappelle que je répète cette information dans un souci de respect du droit d’auteur. En effet, il arrive que le propriétaire des droits de reproduction d’une image (dessin, illustration , peinture, photo…) offre le droit à l’image. En contre-partie, il est explicitement demandé de mentionner la source de cette image. Ce que je fais volontiers. Merci à l’Australian National Maritime Museum pour ce cadeau.
Pour ce troisième article, nous allons voir les proportions des yeux de face. Et ce qui en découle…
L’espace entre les deux yeux égale un oeil1 !
il y a la largeur d’un oeil entre les deux yeux. Analyse par Richard Martens. Source : “Collection of the Australian National Maritime”.
Ceci est facile à mémoriser. L’espace entre les deux yeux est égal à un oeil.
Comme s’il y avait trois yeux, côte à côte… Voyons la photo ci-contre…
Comme précé-demment, pour bien le démontrer, j’ai placé quatre lignes verticales roses, de part et d’autre de trois rectangles vert pâle, égaux entre eux et de largeur… d’un oeil, bien sûr !
Notes
Rappel : je commets délibérément une faute typographique en ne mettant pas un “o, e dans l’o”, pour le mot “oeil” dans le titre, car les robots de Google, et autre robots, pour un recensement de cet article, risquent de “perdre un titre” pour cause d’incompréhension, dans l’univers international d’internet. “Œ” (ici en majuscule) ou “œ” n’est pas un signe typographique international, mais bien un signe typiquement Français. Bilan : une personne qui fait une recherche “risque“ de ne pas trouver cet article. Même chose pour les lettres accentuées : à, é, é ï, etc. et les mêmes en capitales : À, É, È, Î, Ï, Ÿ, Ô, etc.
Si, si ! Les majuscules accentuées existent… En français. La preuve ? Elles se trouvent… juste avant ! (;-{D}
La largeur d’une tête d’adulte de face égale… CINQ yeux !
Pour un visage de face, il y a 5 yeux de large. Analyse par Richard Martens. Source : “Collection of the Australian National Maritime”.
Fort du paragraphe précédent, il suffit de mémoriser cela aussi.
Mémoriser cela nous permet d’observer, sur un modèle de face, si ses proportions coïncident avec le canon d’atelier.
Car, je le rappelle, tout ceci est un Canon d’atelier. Donc des proportions “idéales”. Et aucun de nous ne correspond totalement à un canon.
Même remarque sur cette photo, concernant les lignes verticales & les CINQ rectangles égaux, de la largeur d’un oeil…
Les traits du visages s’inscrivent dans un triangle équilatéral
Les éléments du visage s’inscrivent dans un triangle équilatéral. Analyse par Richard Martens. Source : “Collection of the Australian National Maritime”.
Comme son nom l’indique, un triangle équilatéral a donc (“TRI-angle” : trois angles et aussi…) trois côtés (“équi-LATÉRAL”) égaux (“ÉQUI-latéral”).
Nous pouvons voir, sur la photo, que les traits du visage (les yeux, le nez, la bouche) s’inscrivent dans un triangle équilatéral. Pour autant, ils ne coïncident pas avec les sommets des angles ou avec les côtés. C’est juste une remarque intéressante… La ligne haute horizontale coïncide avec la ligne des sourcils. Et la pointe inférieure, avec le bas du menton…
Notons, cependant, que la largeur de la bouche peut coïncider avec deux côtés du triangle… Ici, c’est le cas. Est-ce toujours le cas ? C’est à vérifier, face à un modèle.
Pour dessiner, il y a trois intérêts à connaître un canon d’atelier :
comparer avec la réalité, pour mieux observer et reproduire la réalité ;
pouvoir faire un portrait de mémoire plus tard, après avoir bien comparé face au modèle ;
pouvoir créer d’imagination !
Coïncidences troublantes avec deux triangles équilatéraux
Les éléments du visage s’inscrivent dans un double triangle équilatéral. Analyse par Richard Martens. Source : “Collection of the Australian National Maritime”.
Si nous poussons plus avant la “remarque”, avec un second triangle équilatéral concentrique (du Latin “CON” = “avec”, et “CENTR-ique” = “centre”), ayant le “même” centre (un “centre commun”), nous obtenons ceci (voir la photo de gauche)…
Ici, deux des côtés du second triangles passent par le milieu des yeux, et le troisième, horizontal, est en relative coïncidence avec la bouche.
Ceci n’est pas une règle absolue, je le répète…
C’est tout pour cet article.
Je reviendrai, plus tard sur la tête de profil, et aussi sur la construction d’une tête réaliste d’imagination. Et je ferais à nouveau référence à ce canon d’atelier…
Est-ce que cela vous est utile ? Quoi qu’il en soit, osez l’écrire, ci-dessous, dans les commentaires…
Richard Martens
Texte version 2.0, pour cause de refonte post-piratage…
Voici donc la suite de l’article sur l’analyse des proportions d’une tête d’adulte.
Analyses réalisées à partir de la photo de la tête d’une jeune femme de la fin du XIXe siècle ou du début du XXe siècle. Et pour mémoire, la source photographique est la “Collection of the Australian National Maritime Museum”. Pour ce deuxième article, nous allons voir le canon d’atelier de la face. Donc du menton jusqu’au sommet du front ou presque, selon l’implantation des cheveux… Quand il y en a !
Ce canon recoupe celui des auteurs déjà cités, ainsi que, un peu dans le désordre ou presque, MM. Arnould Moreaux, Richard G. Hatton, Walt Reed, George Bridgman, Arthur Thomson, Guy Pehourcq, Edmond J. Farris, John Vanderpoel, Walter Foster, John Buscema, Burne Hogarth, Rich Buckler, et quelques autres…
Nous en étions à la face divisée en trois parties…
La FACE se divise en trois parties égales en hauteur
La face se divise en trois parties égales. Analyse par Richard Martens. Source : “Collection of the Australian National Maritime ».
Rappel : le visage, donc la face (et non pas toute la tête, je le rappelle !) se divise en trois parties égales, ou étages.
Il y a :
du bas du menton au bas du nez (étage inférieur)
du bas du nez aux sourcils (étage médian)
des sourcils à (plus ou moins) la racine des cheveux (étage supérieur)
Nous allons maintenant voir quelques subtilités, liées à cette division en trois parties…
Pour cela, nous allons nous occuper de l’étage inférieur, celui qui va du bas du nez au menton.
L’étage inférieur se divise, lui aussi, en trois parties égales
Il y a trois parties entre le bas du nez et le bas du menton. Source : “Collection of the Australian National Maritime”.
Afin de faire ressortir ces trois parties, j’ai placé trois carrés bleus égaux.
Et j’ai ajouté les quatre lignes horizontales séparatrices…
En fait deux lignes entre la ligne du bas du nez et la ligne du bas du menton.
J’ai aussi indiquer les tiers… Avec des fractions !
Voyons cela plus en détails…
La ligne séparatrice du tiers supérieur égale la bouche
La bouche est au 1/3 supérieur de l’espace entre le bas du nez et le bas du menton. Analyse par Richard Martens. Source : “Collection of the Australian National Maritime”.
La ligne qui marque le tiers supérieur, entre le nez et le menton est la ligne de la bouche.
C’est, plus précisément, la séparation entre les deux lèvres, comme nous pouvons le voir sur la photo ci-contre…
Il s’agit donc littéralement d’une ligne séparatrice !
La ligne séparatrice du tiers inférieur égale le creux du menton
Le creux du menton se situe au 1/3 inférieur de l’étage “nez-menton”. Analyse par Richard Martens. Source : “Collection of the Australian National Maritime”.
Ce que nous pouvons voir, là aussi, sur la photo à gauche, c’est que la ligne séparatrice des deux parties inférieures correspond au creux du menton !
Notons que le menton lui-même est un peu comme un ballon ovoïde couché, presque un ballon de rugby…
Si nous faisions le schéma d’une tête ?
Nous pouvons voir, ci-dessous, un schéma commenté — j’insiste sur le mot schéma, car c’en est un.
Pourquoi un schéma ?
Tout simplement parce que les schémas sont la base — très souvent — aussi bien du dessin réaliste d’imagination, que du dessin d’observation.
Comme l’intérêt à moyen terme est de pouvoir dessiner des têtes réalistes d’observation ou d’imagination, il importe que les schémas soient “justes”, efficaces, bien contruit… Si les proportions sont bonnes, alors on peut poursuivre le dessin ! Voire la peinture ?
Sans un schéma juste, dessiner des détails, ce serait comme de poser du papier peint de qualité sur les murs d’une maison bâtie de travers !
Schéma commenté d’un schéma de tête réaliste au tableau vert, par Richard Martens, en 2014.
Un schéma est réalisé en six, voire sept traits horizontaux maximum pour un portrait réaliste de face :
deux traits pour les sourcils ;
deux traits pour les yeux ;
un trait pour le bas du nez ;
un trait pour la bouche ;
et (pourquoi pas ?) un septième trait pour le creux du menton.
Schéma au tableau vert d’une tête d’adulte imaginaire réaliste, par Richard Martens, en 2013.
Si maintenant nous dessinons une forme proche d’un oeuf, et que nous le divisions en deux dans sa hauteur totale, nous aurions la ligne des yeux.
Plaçons, au dessus des yeux, et un peu au “pifomètre”, une ligne. Ce sera la ligne des sourcils. Appelons-là “Équateur”. Je reviendrai plus tard sur le choix de ce mot… Qui nous vient d’Andrew Loomis.
Nous avons vu, précédemment, que le milieu de la hauteur entre la ligne des sourcils et le bas du menton… c’est le bas du nez !
Et la bouche se place, nous venons de le voir, au tiers supérieur de l’étage inférieur !
Quant au menton, j’ai opté pour une forme “ovoïde”, placée entre le creux du menton & le bas du menton.
À NOTER…
Que le crâne est presque sphérique. Donc presque comme un demi-cercle de face. Comme un oeuf, avec la partie “pointu”, “étroite” en bas. Car le menton est presque comme un — petit — ballon de rugby couché ! Je reviendrai sur ce principe dans un prochain article…
Le suite prochainement, avec plus de détails concernant les proportions des yeux de face…
Merci Micheline pour tes commentaires qui m’encouragent à continuer ! Et merci à celles & à ceux qui osent commenter ci-dessous…
Richard Martens
Texte version 2.0, pour cause de refonte post-piratage…
Voyons quelques principes de base des proportions d’un “vrai” visage. Pour cela nous allons analyser un portrait à partir d’une photo…
Les principes qui suivent s’appliquent à quasiment tous les visages. Donc à toutes les têtes réalistes qu’on peut et qu’on veut créer ou observer et dessiner ! Avec, évidemment quelques variations…
Toutes les informations qui suivent correspondent à ce qu’on nomme un “Canon d’atelier”, c’est-à-dire des proportions idéales, qui varient selon les artistes : Vitruve, Léonard de Vinci, Albrecht Dürer, Jean Cousin, William Rimmer, Richard Hatton, Paul Richet, etc.
Un portrait normal de face
Portrait de jeune femme. Source de la photo : “Collection of the Australian National Maritime Museum”.
Nous allons prendre, comme exemple de démonstration, la photo du visage d’une jeune femme de la fin du XIXe siècle ou du début du XXe siècle.
Le cadrage correspond à ce qu’on nomme un “plan taille” ou un “premier plan”. Cette photo est notre point de départ…
J’ai pratiqué sur d’autres « têtes » ces mêmes analyses. Qui sont utiles pour observer ou pour créer…
Source photographique
Comme il est important, pour moi, de citer mes sources, cette photo provient de la “Collection of the Australian National Maritime Museum”. Sans qu’il y ait plus d’indication sur la personne ou l’auteur de la photo d’origine…
Les auteurs d’un canon d’atelier & sources d’influence
Concernant l’analyse des proportions d’une tête d’adulte, je m’appuie, entre autres, sur les travaux des dessinateurs et auteurs cités ci-dessus :
Vitruve ;
Léonard de Vinci ;
Albrecht Dürer ;
Jean Cousin ;
William Rimmer ;
Richard Hatton ;
Paul Richet.
Je m’appuie aussi sur les ouvrages d’Andrew Loomis, illustrateur Américain de talent, qui a écrit (à ma connaissance) cinq livres sur le dessin…
Attention ! TOUT ce qui suit correspond à une synthèse de divers canons d’atelier. Donc à la vision d’une tête idéale ! La réalité est faite de variantes de ces canons… Donc peu de personnes correspondent complètement à ce canon !
Un visage normal de face
Gros plan de jeune femme. Source : “Collection of the Australian National Maritime Museum”.
Pour des raisons pratiques, les analyses porterons sur un visage, dans un cadrage plus serré. Ce qu’on appelle un “gros plan”.
Ceci afin de mieux se concentrer sur la tête elle-même.
Analysons maintenant les proportions d’un visage réaliste adulte… D’abord par rapport à la hauteur.
Par la suite, nous analyserons la tête par rapport à la largeur.
Pourquoi connaître cela ?
Il est essentiel de savoir tout cela. C’est-à-dire de connaître les proportions d’une tête humaine si on souhaite réaliser des dessins ou des peintures de portraits réalistes.
connaître cela permet d’observer les différences entre ces proportions idéales et la réalité observée.
C’est aussi utile pour créer une tête imaginaire !
LE VISAGE DANS LA HAUTEUR
Comme je viens de l’écrire, dans un premier temps, nous allons analyser la tête dans sa hauteur.
Puis nous verrons, dans un prochain article, la tête dans sa largeur.
La TÊTE peut se diviser en deux parties égales en hauteur…
J’ai mis le mot “TÊTE” en majuscules, car il s’agit bien de TOUTE la tête, du sommet du crâne au bas du menton… Pour bien distinguer la suite qui concerne la FACE, du haut du front, jusqu’au bas du menton !
… Car les yeux sont au milieu de la hauteur de la tête
La tête se divise en deux parties égales. Analyse par Richard Martens. Source : « Collection of the Australian National Maritime ».
Une particularité, c’est que nos yeux sont au milieu de la hauteur de notre tête.
J’ai placé deux rectangles verts égaux pour montrer que les yeux sont au milieu de la hauteur de la tête, du sommet du crâne au bas du menton.
Attention !
Je le rappelle, je parle bien de la tête (du sommet du crâne au bas du menton), et non de la face (du bas du menton à la racine des cheveux) !
À noter… Que l’épaisseur des cheveux modifie plus ou moins ce “milieu” ! Auquel cas, s’il y a beaucoup de cheveux, il semble que les yeux soient en dessous du milieu de la hauteur totale…
La FACE se divise en trois parties égales en hauteur
La face se divise en trois parties égales. Analyse par Richard Martens. Source : “Collection of the Australian National Maritime ».
Il s’agit ici de la face et non pas toute la tête, je le rappelle ! Le visage, donc la face peut se diviser en trois parties égales. Qu’on nomme, en physiognomonie, les trois étages : • du bas du menton au bas du nez (étage inférieur) ; • du bas du nez aux sourcils (étage médian) ; • des sourcils à (plus ou moins) la racine des cheveux (étage supérieur).
Trois rectangles rouges égaux, entre les lignes vertes, montrent ces parties égales.
À NOTER… En général, dans les divers canons, les oreilles s’inscrivent dans l’étage médian, donc de la ligne des sourcils au bas du nez.
Lors du prochain article, je vais détailler l’étage inférieur… Et les proportions de la largeur des yeux dans la face !
À suivre…
Merci de commenter, questionner, demander…
Richard Martens
Texte version 2.0, pour cause de refonte post-piratage…
Tirage de l’illustration de couverture de Richard Martens pour « La Bosse du crime ».
Cet article, en deux partie, va illustrer les quelques étapes – commentées – de la réalisation d’une illustration de couverture de roman, réalisée à l’aérographe¹. Ceci est dont la première des deux parties d’un article.
Tout ce qui suit est évidemment ma façon de procéder.
J’ai encore les traces des diverses étapes, ce qui n’est pas le cas de tout ce que j’ai pu faire…
Brève description « technique » de la peinture finale
Cette illustration a été réalisée à l’aérographe & au pinceau, avec des encres acryliques et des peintures acryliques sur un papier blanc d’environ 250 g/m2.
Le format de réalisation était expressément demandé à un format d’un tiers plus grand que la parution, soit environ 20 cm, avec le supplément autour…
Cette illustration de couverture fut la première que les Éditions Gallimard me confièrent. Pour moi, il s’agissait probablement d’un test à partir de la vision de mon dossier professionnel, qu’on désigne sous le mot franglais « pressbook »… La réalisation de cette couverture fut suivi de nombreuses autres, d’abord pour la collection Carré noir, puis pour la mythique collection Série noire, et aussi pour la collection des livres de poche Folio.
Voyons maintenant les étapes de la réalisation…
Première étape : la lecture du texte
Exemple du texte dactylographié d’un traducteur : un « tapuscrit ».
Dans un premier temps, je lis le roman.
Ce n’est pas toujours le cas, car il est arrivé que j’ai eu en ma possession, parfois, seulement un résumé… C’était le cas de la collection Haute Tension, chez Hachette, ou au Fleuve noir, où j’ai failli travailler. En fait, cela dépend des éditeurs. C’est leur choix.
Parfois, il s’agit d’un texte en cours de traduction, donc indisponible. Et seul le résumé de la première lecture du conseiller est disponible.
Il est arrivé aussi, chez Gallimard, que le traducteur — car il s’agit parfois de traduction bien sûr — ait utilisé une machine à écrire — si ! Si ! Cela existait (;-{D} — avec un ruban tellement usé que j’avais l’impression de lire le texte avec deux ou trois calques posés dessus, tellement le texte était pâle ! À tel point que j’ai abandonné la lecture du roman, en décidant d’illustrer à partir des trois premiers chapitres que j’avais eu le courage de lire !
Et il est également arrivé — une fois me semble t-il — que je manque de temps, et que ce soit ma compagne qui ait lu le roman et qui me l’ait raconté brièvement ! Encore merci à toi…
Deuxième étape : la recherche d’idées
Recherches d’idées par Richard Martens pour « La bosse du crime ».
Après la lecture, pour les recherches d’idées, je commence à noter des mots que le roman m’évoque. Des mots, et aussi les phrases, des verbes d’action, des titres de films, des titres de tableaux…Bref, je note tout ce que m’inspire ce texte.
À noter…
le dictionnaire analogique !
Toujours pour cette recherche, j’utilise quelquefois un dictionnaire analogique… Ce qui amène d’autres mots. C’est une façon de pratiquer seul le remue-méninge (“brainstorming” en franglais²). Gérard Bakner, un prestidigitateur particulièrement créatif, en magie, dessin d’humour, chanson… a dit, lors d’une conférence, que, lui aussi, utilisait ce type de dictionnaire.
Je réalise toutes ces recherches sur du papier machine ordinaire de format A4 (21 x 29,7 cm). Un papier de 80 ou 90 g/m2. Et les croquis de recherche sont toujours de très petit format.
Sur la photo ci-contre, il s’agit donc de feuilles de format A4, où vous pouvez voir tout à la fois des notes écrites, et des petits dessins (“thumbnail” en anglais).
Une idée symbolique pour ce roman
J’ai retenu, de ma lecture & de mes recherches, qu’au début du roman, une jeune femme est étranglée avec un tuyau à gaz, parce que l’assassin l’avait trouvé trop belle & trop sensuelle. Et elle perd une boucle d’oreille…
Fort de cela, j’ai fait le lien (si je peux me permettre ce jeu de mot !) entre le symbolisme du serpent & de la tentation biblique d’une part, et le tuyau à gaz d’autre part… J’opte donc pour une image symbolique d’un “serpent” qui se transforme en tuyau à gaz gris.
Troisième étape : une première ébauche de la couverture… Sur calque !
Premier calque de Richard Martens pour illustrer « La Bosse du crime ».
Après avoir arrêté l’idée, arrive la première ébauche finalisée en dessin de la couverture.
Je la réalise sur calque au crayon graphite.
Cependant, elle ne me satisfait pas !
Parfois je réalise le dessin préparatoire final sur papier machine. Si c’est le cas, à la fin, je décalque le dessin préparatoire, pour le reporter sur un papier destiné à recevoir de la peinture. Donc un papier de fort grammage. Souvent 250 g/m2 au moins, voire 300 g/m2.
Quel avantage de dessiner sur du papier calque ?
Il n’y a pas à reporter le dessin final sur calque, puisqu’il y est déjà ! C’est un gain de temps.
Pourquoi reporter le dessin sur une autre feuille ?
Tout simplement, parce que le travail du crayon graphite & de la gomme “fatigue” le papier. La gomme peut amener certains matériaux a “accrocher” difficilement sur le papier. Et cela va rendre la peinture plus difficile ensuite, à l’aquarelle par exemple. Voire quasi impossible à l’aérographe, car il arrive, presque toujours, que les coups de crayons trop appuyés, et les creux du papier, causés par le crayon, vont continuer d’apparaître au final ! D’où l’intérêt de reporter le dessin sur un papier neuf, vierge de toutes pressions &/ou de coups de gomme…
À noter…
L’aspect “abimé”, “fatigué” de la feuille est visible sur ce premier calque : creux, bosses, brillances, calque qui “gondole”…
Quatrième étape : le dessin final « poussé » en valeurs
Second calque de Richard Martens pour « La Bosse du crime ».
Comme le premier dessin “poussé” ne m’avait pas plu, j’ai décidé de garder l’idée & de refaire le dessin. Toujours sur calque et toujours au crayon graphite).
J’opte pour un cadrage plus serré. Il manque délibérément le haut de la tête & le bas du buste…
Cette fois, je suis plutôt satisfait du résultat. Comme le dessin au trait me convient, je travaille un peu les nuances de gris. Ce qu’on appelle des valeurs. Et j’utilise aussi la gomme pour contrôler les tracés & les valeurs. Ou pour éclaircir…
Ceci me permet de voir ce que cela pourrais donner en termes d’ombres & de lumières. car il s’agit d’un dessin d’imagination qui, selon moi, doit suggérer une certaine réalité…Un certain réalisme…
Je dessine aussi le nez, sachant qu’il sera probablement coupé à l’impression.
Dans la partie basse du calque, à droite, je fais quelques essais d’écailles de reptiles…
Peinture dans un carré !
Détail que j’ai omis de préciser plus tôt, comme l’indique le nom de la collection (cf. Carré noir), la peinture doit être inscrite dans un carré ! Et il est indispensable de laisser une marge supplémentaire tout autour de 7,5 mm minimum…
Hommage à Yosuke Onishi
Illustration d’Onishi_Yosuke, extraite du livre « Airbrush Art in Japan », 1984. DR.
Pendant que je réalise ce calque préparatoire pour la peinture, je pense à une série d’oeuvres de Yosuke Onishi.
Cet artiste Japonais à réalisé une série de portraits à l’aérographe1 de vedettes féminines de cinéma, en ne dessinant que les yeux & la bouche sur fond blanc ! Et la ressemblance est stupéfiante !
De mémoire, il a réalisé le “portrait” d’Audrey Hepburn, de Marilyn Monroe, d’Elisabeth Taylor, de Sophia Loren, etc.
Vous pouvez voir, ci-contre une de ses créations…
Pensant à ces peintures, que Yosuke Onishi a réalisé à l’aérographe, je caresse l’idée de lui rendre un discret hommage, en laissant le visage de cette jeune femme en blanc. A voir ? Peut-être…
À noter…
Cette série (ou une partie ?) se trouve dans le livre Japonais “Airbrush art in Japan”. Livre publié en 1984, sauf erreur…
À suivre…
Que pensez-vous de cet article. Est-il clair ? Merci de laisser un commentaire…
Richard Martens
Texte version 2.0, après relecture, ajouts de textes et remise en place des liens des images, disparus après piratage et restauration…
Merci à Marie R…
Notes
Aérographe (n. m.) : pulvérisateur à air comprimé servant à projeter de l’encre, des couleurs. Peintre qui travaille à l’aérographe. Dictionnaire Antidote pour iPod Touch & iPad
Etiemble était un ardent défenseur de la langue française, dans son célèbre livre, Parlez-vous franglais ?, éditions Gallimard, 1964, essai, Nouvelle édition revue et augmentée en 1973, puis en 1980.
Voici donc la seconde partie de l’article sur ce portrait-charge de M. Charles Barbier. Toujours à la plume et à l’encre de Chine. Et avec l’utilisation d’un nouvel outil pour ce dessin : une craie grasse noire ! Explications…
Etape 4 : le placement d’un gris léger avec une craie grasse
Afin de commencer la mise en valeur – littéralement – de ce portrait en pied, je place un gris léger, de même valeur, partout où il y a des gris, que cela soit des gris clairs, des gris foncés ou du noir…
Cela grise légèrement une grande partie des cheveux & du visage.
Monter les “valeurs”
Quand on commence par une surface claire, voire une surface blanche, on dit parfois qu’on “monte” les valeurs.
Ceci est valable pour le dessin, aussi bien que pour la peinture. Quel ce soit pour les peintures à l’eau, comme l’aquarelle, la gouache, l’acrylique, ou la peinture à l’huile, les “Alkyd”, les craies grasses, etc.
Quand les frères VAN EYCK ont développé les principes de base de la peinture à l’huile, ils commençaient de peindre sur un fond blanc, et assombrissaient l’oeuvre au fur & à mesure…
Pourquoi utiliser une craie grasse ?
Ici, j’ai employé une craie grasse noire. Pour quelle raison est-ce que j’utilise une craie grasse noire ? Simplement parce qu’une craie noire, grasse de surcroît, va laisser une trace nette, et bien noire. Bien plus noire qu’un crayon graphite. Et sans briller comme le crayon graphite…
En employant un papier légèrement granuleux, la craie grasse, maniée légèrement, laisse d’office une trace très noire à la surface du papier. Sur la “crête” des minuscules reliefs du papier.
Ceci serait impossible à obtenir avec un crayon graphite, qui va briller, et sembler trop pâle par rapport à l’encre de Chine, déposée par la plume !
À ce stade, je continue d’assombrir les cheveux avec la craie grasse…
Les craies grasses sont parfois nommées “pastel gras”. Gras parce que les vrais pastels à l’ancienne sont une matière sèche, proche de la craie…
J’ajoute aussi des touches d’encre de Chine à la plume…
À ce stade, le visage semble encore plat. Ce qui est normal, puisque les seules valeurs sont le blanc du papier & le gris très clair de la craie grasse à la surface du papier, sur les seuls reliefs… Donc peu de contraste !
Pour créer un visage plus “réaliste”, il me suffit de continuer d’assombrir le visage.
Pour cela, je frotte un peu plus fermement la craie grasse. Ainsi le noir se dépose plus profondément dans les creux du papier. En élargissant la trace. Et en générant des parties plus sombres.
Plus j’appuie sur la craie, et plus la zone traitée semble noire.
Si j’écrase très fort la craie – qui est constituée d’un matière plutôt molle – au point de remplir les creux, j’obtiens un noir quasiment semblable à celui obtenu avec de l’encre de Chine.
Ainsi, grâce à cette craie grasse noire, je peux modeler les ombres sur le visage… Du blanc du papier jusqu’au noir, si je le souhaite !
Quand j’estime que le visage & les cheveux sont faits, alors, je peux passer à l’étape suivante…
Il ne me reste plus qu’à noircir la veste, en veillant à ce que les plis soient visibles grâce à des filets blancs ! Le blanc du papier à peine grisé. Comme des effets de lumière ! Ce qu’on appelle des réserves.
Quant au pantalon, je décide de le griser seulement. De ne pas le noircir. En gris foncé. Ceci afin que les plis – qui eux sont noirs – par contraste, soient encore visibles…
Je considère, maintenant, que le dessin est terminé…
Comme dit le proverbe, “Le mieux est l’ennemi du bien”.
L’un de mes professeur, M. Alain LE FOLL, me disait : “il faut savoir s’arrêter”.
Etape 8 : mettre un fond de couleur sur ordinateur…
J’avais décidé que la dernière étape consisterait à mettre un fond de couleur en aplat… Grâce à l’ordinateur.
Et voici, ci-dessus le résultat final du carton d’invitation…
Un “petit coup” de mise en page, un fond de papier “brun” & le tour est joué. Après avoir choisi une belle typographie, qui connote la magie & le passé… La “Galahad”, nommée par son créateur, en manière de clin d’oeil pour Arthur & les Chevaliers de la Table ronde… Et choisie par moi comme clin d’oeil pour M. Charles Barbier, sa mémoire d’éléphant & son Calendrier perpétuel !
Voilà ! C’est la fin de cet article en deux parties…
Que pensez-vous de cette technique ? L’avez-vous déjà expérimentée ?
Richard Martens
Texte version 2.0, pour une remise en images pour cause de « pire-ratage » (cf. piratage/ »hacker »).
Voici les étapes commentées, en deux parties, d’un dessin que j’ai réalisé à la plume. Il s’agit du dessin d’un carton d’invitation que j’ai réalisé pour une soirée associative, en hommage à un membre… Centenaire ! Sur mon blogue, dédié à la prestidigitation, je viens de rédiger un bref article consacré à cette soirée : “Les 100 ans de Charles Barbier”1. Il a pratiqué, & pratique encore, des démonstrations de mémoire & de calcul mental. Et une partie de sa carrière professionnelle, fut la “pratique” de l’anti-fakirisme. C’est pourquoi, je l’ai représenté en smoking, assis en posture du lotus, sur un tapis à clous.
Quel est le premier besoin d’un illustrateur réaliste ?
Portrait de M. Charles Barbier, extrait d’un ancien article de Wikipedia. D.R.
Le premier besoin d’un illustrateur réaliste, c’est… La documentation !
Ayant exercé professionnellement pendant presque vingt ans, pour des revues comme le Point, le Nouvel Obs, & pour des éditeurs comme Hachette, Gallimard, etc., je parle en connaissance de cause…
Pour cela, il me fallait une photo de Charles Barbier. Par chance, il y avait, en 2012, un article sur Wikipédia. Je suis retourné le voir ces jours-ci. Il a été supprimé… Je suppose que c’est faute d’informations précises, & peut-être par manque de sources ?
Toujours est-il que j’ai trouvé sur internet, & ailleurs, quelques portraits photographiques…
Il m’avait été suggéré de, peut-être le dessiner en fakir… Car une partie de la carrière de Charles Barbier a été un numéro d’anti-fakir. J’ai décidé de suivre ces conseils… Peut-être sur un tapis de clous, l’un des numéros préférés des fakirs, & donc d’un anti-fakir, comme Charles Barbier…
Et j’ai décidé de réaliser un portrait-charge, comme on les nommait autrefois. Il s’agit d’un portrait qui peut être réaliste, voire caricatural, sur un corps très petit.
À NOTER – Cette tendance de dessiner des petits corps surmontés d’une grosse tête s’est perpétuée dans la bande dessinée Japonaise. En effet, c’est un genre pratiqué dans les mangas, par un auteur comme, par exemple, Akira Toriyama2, le père de Dragon Ball3, & de l’excellent & délirant Dr Slump4.
Documentation sur la posture du Lotus
Diverses représentations de la posture du lotus. D.R.
Ensuite j’ai cherché diverses représentations de l’asana (ou posture) du Lotus, la posture du yoga, la plus connue, me semble t-il…
L’idée était d’avoir une représentation assez “stylisée” pour “signifier” cette posture. D’où l’idée d’avoir plusieurs photos afin de pouvoir créer un dessin qui ne soit pas une copie… Puisqu’il serait en smoking ! Même si parfois c’est pratique, ou utile, voire indispensable de pratiquer la copie ! J’y reviendrais…
Pourquoi seulement les étapes de l’encrage ?
Pourquoi l’encrage seulement ? Et pourquoi n’y a t-il pas les étapes précédentes ? C’est-à-dire les étapes des recherches crayonnées ? Puis du début du crayonné définitif ?
Tout simplement pour deux raisons :
– d’abord parce que je manquais de temps & que j’ai crayonné très légèrement. C’est d’ailleurs pour cela, qu’en bas du dessin de cette première étape, on ne distingue pas (ou plus) la planche à clous ;
– ensuite parce que je n’ai pas pris le temps de faire des photos des étapes de ce croquis…
Alors que j’ai, ensuite, pris le temps de photographier quelques étapes, que vous pouvez voir dans cet article & le prochain.
Des délais ?
Il y a toujours des délais, quand on exerce comme illustrateur ou graphiste professionnel. Car il y a, derrière la future réalisation, une demande, une commande du “client”. Ici les délais sont d’avoir le temps de pouvoir faire imprimer, ET d’envoyer – par la Poste – le carton d’invitation. Un compte à rebours s’impose, et donne une date butoir, à ne pas dépasser. Car en fin de “chaîne”, il y a la soirée, qu’on ne peut pas déplacer !
Différence entre l’artiste-peintre & l’illustrateur ? Entre l’amateur et le professionnel ?
L’artiste – amateur ou professionnel – peut ne pas avoir de délais. Ce n’est pas une règle absolue.
L’illustrateur – professionnel – a toujours un délai à respecter : celui du “client”. Car l’illustrateur est un artiste qui met son talent au service d’un roman, d’un article, etc. Et l’illustrateur est un des maillons d’une chaîne, entre la demande du client & le produit fini & “publié” (publication dans la presse, par exemple). Donc l’imprimeur, la Poste, etc.
Au bilan : les délais sont de quelques jours, & je n’ai pas que cela à faire… Dont, en fait, je ne dispose que de quelques heures pour cette réalisation…
Les choix pour réaliser vite ?
Avec des délais courts, je n’ai pas beaucoup de choix…
Décision concernant les outils artistiques utilisés
Fort des délais courts (donc quelques heures seulement), & de mon expérience, j’ai décidé de réaliser un dessin à la plume & à l’encre de Chine. En valorisant, et en ombrant avec un crayon gras noir, du style “craie grasse”. Parfois appelé (à tort, selon moi) “pastel gras”.
Quel papier ?
Compte tenu de mon choix des outils (plume & encre de Chine), j’ai donc opté pour un papier à grain, pour avoir déjà pratiqué ce type d’illustration.
Etape 1 : le tracé au « trait déroulé » des « contours »
Vous pouvez voir, sur cette deuxième étape, ci-contre, que je suis passé à l’encrage de la planche à clous. Clous très exagérés, caricaturés ! Et je les ai ombrés à la plume, comme le reste… Pour le moment…
J’ai aussi encré les veines de la planche de bois, qui supporte les clous.
À ce stade du dessin, je place les noirs, c’est-à-dire les ombres les plus intenses.
Placer les noirs pour faire ressortir les masses
Placer les ombres permet de mieux faire ressortir les “masses”, c’est-à-dire les parties. Ici, celles placées dans l’ombre. Et cela commence à “donner du volume”, du relief à l’image…
En effet, vous pouvez voir que ce portrait est très “pâle”, très “plat” sur les deux premières étapes.
Alors que le portrait fini – au début de cet article –, avec un fond ocre jaune, présente plus de relief, de volume…
Placer les ombres…
Je continue de noircir : le noeud papillon, et la veste.
En noircissant avec quoi ? Comment ?
Avec de l’encre de Chine, à la plume… Et aussi au pinceau pour les surfaces un peu larges. Et je continue sur l’oreille du côté gauche…
Dans le prochain article, la suite & la fin des étapes de ce dessin, nous verrons le modelé des ombres, ainsi que l’utilisation du crayon gras.
Et nous répondrons aussi à la question que vous pouvez, peut-être vous poser…
Pourquoi un crayon gras ?
Avec les avantages que cela représente… Nous verrons donc cela prochainement…
À suivre…
À noter : pour une bonne reproduction de documents…
Dans l’idéal, le mieux est toujours de scanner, et non de photographier le document. Pour quelle raison ? Parce que l’objectif de l’appareil photographique déforme l’image, et que la feuille de dessin – un rectangle – est parfois représentée, sur la photo, par une “forme” dont les côtés deviennent des courbes !
Ce qui implique, soit de présenter un document déformé, soit d’utiliser un logiciel, une application, qui redresse l’image…
Ici, comme chaque fois, j’ai pris le temps de redresser toutes les photos des étapes du dessin, avec une application dédiée. Puis d’utiliser une autre application, un logiciel dévolu au contraste pour les documents en noir-et-blanc… Puis un troisième pour finaliser…
Enfin, je vous invite à me laisser un commentaire ci-dessous… Merci d’avance. Même si je suis, peut-être, lent à répondre.
Richard Martens
Texte version 2.0, pour remise en images pour cause de « pire-ratage » (« hacker »). J’ai profité de l’occasion pour réécrire et compléter…
Notes
Voici les liens de l’article, au cas où ils seraient brisés dans le corps de l’article… Dans ce cas, il suffit de faire un copier-coller du lien ci-dessous, et de le coller dans la barre de votre navigateur…
“Les 100 ans de Charles Barbier” : http://magie-mentalisme-memoire.fr/les-100-ans-de-charles-barbier/
Pour les amoureux des comics1, ce livre est parfait selon moi pour comprendre les bases de la création des bandes dessinées dans le style “super-héros” de chez Marvel ! Probablement le meilleur ! Et pour cause ! Il est illustré par un excellent dessinateur, un Maitre : John Buscema, récemment décédé, hélas ! Et par le grand maître des scénarii de chez Marvel : Stan Lee, à l’écriture de cet ouvrage.
Qui sont les auteurs ? Qu’ont-ils créé ?
Couverture du livre « How to draw Comics – The Marvel way » de John Buscema & Stan Lee.
Stan LEE2, le Grand maître de chez Marvel, est le scénariste, co-créateur de Spiderman, des Fantastic Four, du Surfeur d’argent3, de Hulk, de Daredevil & de presque tous les premiers personnages de Marvel éditions.
John BUSCEMA4, extraordinaire dessinateur de personnages, a dessiné le Surfeur d’argent, Conan le Barbare, Wolverine5, les Avengers, Spiderman, Thor & d’autres.
Ils ont réuni leurs talents pour concevoir ce livre. Un guide de bande dessinée qui, au travers de chaque chapitre, montre & explique comment créer vos bandes dessinées de super-héros, à la façon des éditions Marvel.
A noter ! Quelques dessins extraits des comics Marvel, & surtout une kyrielle de crayonnés originaux de John Buscema, illustrent chaque étape de la création d’une bande dessinée. Il est assez rare de voir des crayonnés, que ce soit dans la bande dessinée, dans l’illustration ou dans un musée… C’est pourquoi je souligne la chose !
Douze chapitre pour tout décrire
Exemple de la méthode de dessin du livre « How to draw Comics – The Marvel way » de John Buscema & Stan Lee.
En douze chapitres, MM. Buscema & Lee décrivent toutes les étapes d’une BD :
– les outils, d’abord ;
– le secret des formes, puisque tout peut être ramené à des cubes, des cylindres, des troncs de cônes, etc. ;
– le pouvoir de la perspective ;
– les principes de base de la construction du personnage ;
– le dessin du personnage ;
– comment rendre une figure dynamique à la Marvel (ou à la Buscema !) ;
– ce qu’est un raccourci ;
– le dessin de la tête (souvent humaine…) ;
– la composition ;
– dessiner une page de “comicbook”, et la concevoir ;
– la couverture de « comicbook” ;
– l’art de l’encrage !
Enfin, le texte de Stan Lee renforce & complète les magnifiques dessins du Maître John Buscema.
En résumé de “How to draw comics – The Marvel way”…
Ce livre est, pour moi, le meilleur en matière de super-héros Marvel. Une pléthore de superbes illustrations de John Buscema & des textes clairs & aidants de Lee.
De plus, cet ouvrage a été traduit récemment en français semble t-il. Celui que je possède est en anglais. Et est tout à fait compréhensible. Surtout si vous voulez travailler votre anglais ! A vous de voir & de choisir…
Information : si vous le souhaitez, vous pouvez acheter ce livre, viaAmazon.com, en cliquant sur l’une des deux images ci-dessous.
Attention : celle du haut est en français.
Celle du bas est en anglais.
Il va de soi, & c’est mieux en le disant, que si vous l’achetez en cliquant sur l’une ou l’autre de ces photos, cela ne vous coûtera pas plus. et je percevrai un petit pourcentage sur cet achat. Si vous le faite merci d’avance…
Références de ce livre
Version française :
BUSCEMA (John) et LEE (Stan), Comment dessiner des comics – La méthode Marvel, éditions Akileos, 2010 (?) 160 p.
Attention : ci-dessous, ouvrage en anglais !
BUSCEMA (John) et LEE (Stan), How to draw comics – The Marvel way, New York, éditions Simon et Schuster, 1978, 160 p.
Richard Martens
Texte version 3.0
Notes
– Comics ou comicbook : bandes dessinées Américaines, essentiellement de super-héros. Mais pas seulement… Par opposition à “comic strip” : bande dessinée dans les journaux, en une bande (“strip”) quotidienne.
– Stan LEE est co-créateur pour le texte. Le créateur des dessins, donc du visuel des personnages est le très grand Maitre Jack KIRBY. Ce dernier produisait quatre-vingt-dix (90 !) pages par mois avec l’aide d’un assistant ! Steve DITKO est le co-créateur de Spiderman pour le dessin. Et il me semble que ce serait Wallace (Wally) WOOD qui serait le co-créateur des dessins de Daredevil. https://fr.wikipedia.org/wiki/Stan_Lee
– Le Surfeur d’argent (en français) : Silver Surfer (en anglais)
– John BUSCEMA. Je précis son prénom, car il y a eu un autre Buscema, qui a travaillé pour Marvel : Sal Buscema (qui serait son frère), dont le dessin me semble moins “percutant”, moins puissant. https://fr.wikipedia.org/wiki/John_Buscema
– Wolverine : avait été nommé Serval, dans les premières publications en Français. Et pour cause… “Wolverine », en français, signifie “glouton”, un animal peu connu. Assez trapu, de la taille d’un grand chien, et suffisamment dangereux pour, parfois, faire reculer un ours ! Alors que le serval est un félin… Le choix des éditeurs Français… https://fr.wikipedia.org/wiki/Wolverine
Je le redis, OSEZ me dire ce que vous pensez des articles. OSEZ poser des questions. Cela me sera utile pour continuer, si vous me donnez votre avis, si vous faites un commentaire. Merci d’avance… R.M. (:-{D}
Pour dessiner, il y a trois intérêts à connaître un canon d’atelier :
