Catégorie : Dessin

Le dessin en général…

Decalquer un dessin – 1

Pour certaines personnes, décalquer un dessin, c’est tricher ! Rien n’est plus faux !

Dans cet article, je rappelle brièvement la raison de décalquer. Et comment le faire, de deux façons différentes. L’une, est classique, et l’autre est celle que j’ai développée fort des conseils d’Alain Le Foll2, mon professeur d’illustration à l’Ensad1 de Paris. Professeur, hélas ! trop tôt disparu, et à la mémoire de qui je dédie cet article.

Bien que cela me semble évident, je préfère quand même préciser que le principe de décalquer implique de le faire aussi bien à partir d’un dessin qu’à partir d’une photo…

Il y aura trois parties pour cet article :

  • 1re partie : Pourquoi et comment décalquer ? Méthode ancienne, simple et classique.
  • 2e partie : ma méthode favorite pour décalquer… En “fabriquant” ce que j’ai nommé un “calque-carbone”.
  • 3e partie : comment utiliser mon “calque-carbone”.

 

Pourquoi décalquer ?

J’en ai déjà expliqué la raison principale dans mon article sur « Etapes d’illustration de “La Bosse du crime” – 1/2 », en particulier à l’intertitre “Pourquoi reporter le dessin sur une autre feuille ?” : https://apprenons-dessin-et-peinture.fr/etapes-illustration-de-la-bosse-du-crime-1/

J’en rappelle cependant brièvement les raisons :

il est important d’encrer ou de peindre sur une feuille relativement lisse. Ceci implique donc de reporter un dessin sur une feuille vierge et nette, après avoir “fatigué” la feuille qui a “subie” les recherches, les tâtonnements, les repentirs…

À noter…

Pictogramme "crayon" par Richard Martens.Le peintre Italien Raphaël est un très bel exemple d’un artiste qui décalquait systématiquement ses dessins. Perfectionniste, souvent insatisfait de ses dessins, Raphaël a conçu diverses méthodes pour dessiner et décalquer ses dessins, à une époque où le calque, comme nous le connaissons, n’existait pas ! Une exposition dans un musée Parisien, il y a fort longtemps, mettait en lumière ces diverses techniques, dont certaines étaient très originales !

Je rappelle que certaines techniques, comme l’aquarelle, ou l’aérographe ne supportent pas le papier foulé, gommé, frotté, creusé…

 

Pour illustrer “recherches” et “papier fatigué”

Couverture de "Tintin au Tibet", par Hergé, aux éditions Casterman.
Couverture de « Tintin au Tibet », par Hergé, aux éditions Casterman.

Pour mieux illustrer mes propos, concernant tout à la fois les recherches & le papier fatigué, voici ci-contre la couverture de l’excellent album de Tintin, voire son meilleur album selon les “tintinophiles” : “Tintin au Tibet”, par Hergé, aux éditions Casterman.

Pourquoi cette couverture ?

Tout simplement parce que cette couverture a figurée dans – au moins – deux expositions.

– « Et alors ? » me direz-vous…

Et bien parlons d’une…

Exposition montrant tout à la fois le crayonné ET la page encrée

Il y a de nombreuses années, j’ai pu visiter, à quelques temps d’intervalle, deux expositions consacrées à Hergé & à Tintin…

Pour celles & ceux qui ont eu, comme moi, la chance de voir l’une de ces deux expositions, nous avons pu, dans les deux, voir la même planche crayonnée de cette couverture, et à côté, voir la version finale, encrée.

Feuille fatiguée et recherches

Je mets ci-après, deux reproductions du crayonné de cette couverture.

Dessin annoté de la couverture de "Tintin au Tibet", par Hergé aux éditions Casterman.
Dessin annoté de la couverture de « Tintin au Tibet », par Hergé aux éditions Casterman.

On peut d’ailleurs en voir un exemplaire sur internet, via les recherches avec Google.

Et on en trouve une reproduction, en grand format proche de l’original, dans le superbe livre de Philippe Goddin, “Hergé et Tintin reporters – Du Petit vingtième au journal Tintin”, éditions du Lombard, 1986, à Bruxelles, à la page 124.

Marqué 1, sur cette première reproduction, j’ai entouré les personnages, car cette partie était littéralement tout en bosses et en creux, tellement Hergé avait crayonné et gommé à divers endroits, et surtout du côté des personnages (beaucoup de repentirs3).

Marqué 2, j’ai aussi entouré le chien Milou, qu’on peut voir en… Trois exemplaires ! Car Hergé cherchait visiblement où le placer. Il va de soi que, sur la couverture, Hervé n’en a encré qu’un, après avoir pris la décision de le dessiner et de l’encrer là où il est fixé pour l’éternité…

Crayonné du dessin de la couverture de « Tintin au Tibet », par Hergé aux éditions Casterman.

Je rappelle que, lors des expositions, il y avait la planche crayonnée ET la page encrée. Puisque Hergé avait décalqué l’ensemble du crayonné, dont UN seul Milou sur cette seconde page pour l’encrer.

On peut voir, ci-contre, tout à la fois les repentirs3 d’Hergé sur les personnages, et ses recherches concernant Milou…

Il semble que ce soit E. P. Jacobs qui ait appris à Hergé cette façon de faire, à savoir :

  1. dessiner sur une feuille (recherches, voire finalisation du crayonné) ;
  2. décalquer le dessin final, donc sur une feuille de calque ;
  3. reporter le dessin, grâce au calque, sur une nouvelle feuille de qualité.

 

Comment décalquer précisément ?

Méthode simple pour décalquer

Cette première méthode est la plus répandue. Elle comporte trois étapes ou “passages” :

  1. – poser et « fixer » un calque sur le dessin final et tracer au recto de la feuille de calque tout le dessin final ;
  2. retourner le calque (verso ou « dos ») et repasser tous les traits du dessin au crayon. Ou frotter largement sur tout le calque (ou presque) ;
  3. – remettre le calque à l’endroit (verso), comme au début. Le poser et fixer sur une nouvelle feuille. Et repasser au crayon tout le dessin qui figure sur le calque. Ce qui fait qu’on vient de décalquer le dessin sur une nouvelle feuille !

Revoyons cela en détail, et avec des images…

Première étape : dessiner/décalquer au recto de la feuille de calque

Cela consiste à poser une feuille de calque sur le dessin qu’on veut reporter sur une autre feuille. Il peut être utile de le fixer (ruban adhésif ou pâte adhésive). Ensuite on trace TOUS les traits du dessin sur ce calque. Ce que j’indique ci-dessous en notant, à gauche, “Recto-Endroit” ou “R”

Décalquer au recto puis frotter au verso : la méthode simple. Création : Richard Martens.
Décalquer au recto puis frotter au verso : la méthode simple. Création : Richard Martens.

Deuxième étape : dessiner – à nouveau – (ou frotter) au dos du calque

Ensuite, on retourne le calque, et au verso, au dos du calque (noté sur le schéma ci-dessus, à droite, “Verso-Envers” ou “V”), on trace – à nouveau TOUS les traits du dessin, par transparence. Sinon, on peut frotter grossièrement sur tous les traits… Il est important de n’en oublier aucun !

J’ai placé une flèche afin de faire ressortir le fait que la feuille de calque est bien retournée !

 

Troisième étape : décalquer le dessin au recto du calque sur une feuille vierge

Pour ce troisième passage, littéralement, on remet le calque à l’endroit (recto).

Puis on pose le calque sur une feuille vierge, en le plaçant là où on le souhaite. Et si possible on fixe le calque avec un ruban adhésif, en le testant au préalable, afin d’être sûr que ce ruban ne déchirera pas le papier vierge quand on l’ôtera. Il est pratique de fixer le calque seulement dans sa partie haute, par exemple. Ainsi on peut le soulever si on le souhaite…

Et enfin, on repasse sur l’intégralité des traits du dessin sur le calque.

IMPORTANT !

Pictogramme "Point d'exclamation" par Richard Martens.Il est utile de soulever le calque par le bas, de temps en temps. Cela permet de vérifier que les traits soient bien reportés. En effet, il arrive qu’on oublie de frotter certains traits au dos du calque… D’où l’intérêt de vérifier régulièrement…

C’est pourquoi je conseille de poser du ruban adhésif seulement en haut du calque. Pour pouvoir soulever régulièrement le calque, pour vérifier que le report se fait bien !

Dans la deuxième & troisième partie de cet article, j’expliquerai  la méthode que j’appelle le “calque-carbone”. Comment en “fabriquer” et comment l’utiliser…

 

Oser faire des commentaires ci-dessous. Posez des questions, formulez des demandes !

Richard Martens

Texte version 2.0, pour cause de refonte post-piratage…

Note

Comme d’habitude, voici le lien de l’article, au cas où il serait brisé dans le corps de l’article… Si c’est le cas, il vous suffit de faire un copier-coller du lien ci-dessous, et de le coller dans la barre de votre navigateur…

  1. Ensad : acronyme pour “École Nationale Supérieure des Arts-Décoratifs” de Paris, communément appelée les “Arts-déco”. Voici le lien pour un article sur Wikipedia : http://fr.wikipedia.org/wiki/%C3%89cole_nationale_sup%C3%A9rieure_des_arts_d%C3%A9coratifs
  2. Alain Le Foll est un illustrateur Français de grand talent, né en 1934, et décédé en 1981. Il fut Directeur artistique aux éditions Delpire. Et illustra “Sinbad le marin”, et divers ouvrages. Et oeuvra aussi pour des magazines comme “Elle”, “Record”, etc. Il fut professeur d’illustration à l’Ensad dans les années 1970-1980 environ, à la même époque que ses collègues, Bob Élia & Jean Lagarrigue, entre autres. Et qui furent aussi deux de mes professeurs… J’ai eu la très grande chance de croiser sa route comme étudiant… Il m’a fait l’honneur de m’inviter chez lui, et m’a offert une gravure à l’eau forte dédicacée, ainsi qu’une lithographie en couleurs. Et m’a transmis le plaisir du partage, en apportant régulièrement des livres d’art. Il repose au Père-Lachaise…
  3. Repentir : n. m. Beaux-arts : changement apporté à une oeuvre pendant son exécution. Dictionnaire Antidote. Souvent synonyme de « ratage », pour le commun des mortels qui ignorent ce mot… Et qui développent une PNP ou PNQP (« Pensée Négative (Quasi) Permanente »). Par opposition à la PPP (« Pensée Positive Permanente »)…

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Agrandir un dessin – 1

Comment agrandir un dessin ? C’est une question qui revient parfois…

Et une autre question revient souvent : pourquoi agrandir un dessin ?

Et parfois aussi : pourquoi ne pas le faire en grand dès le début ? Je répondrai à cette dernière question lors d’un autre article…

Je vais répondre à ces questions. C’est ce que je vais expliquer dans cet article. Que je vais illustrer avec une réalisation, dont la reproduction figure ci-contre, et que je considère comme inachevée. Même si certaines personnes m’ont dit le contraire…

Concernant cette peinture, je suis parti de l’idée d’un crayon qui serait comme un tube de dentifrice…

Voyons d’abord les raisons de travailler “petit”, et pourquoi agrandir ? Et ci-dessous les premières recherches en petit format.

 

Recherches en petit format A4* ou A5*

Recherches sous la forme de croquis sur papier calque, par Richard Martens.
Recherches sous la forme de croquis sur papier calque, par Richard Martens.

* Pour mémoire :

  • le format A3 est le double du format A4. Donc le A3 est de 29,7 cm x 42 cm. C’est le grand format de la plupart des photocopieuses.
  • le format A4 est de 21 cm x 29,7 cm. C’est le format du papier dit “papier machine”, du courrier, et le format normal des photocopieuses
  • le format A5 est la moitié du format A4, soit 14,85 cm x 21 cm.

 

Pourquoi travailler en petit format ?

Je vais être bref sur cette question. Puisque j’y reviendrai, dans un article dédié à ce sujet, très important, selon moi !

L’intérêt de dessiner en petit format, c’est-à-dire en format A4 (21 x 29,7 cm) maximum, voire plus petit, c’est que nous avons une vue d’ensemble du dessin. Ainsi on peut voir si les proportions & la composition “fonctionnent”… Ou pas !

Si le format est trop grand, il est physiologiquement impossible de voir l’ensemble !

Chaque fois que j’ai eu à faire une peinture, un dessin, une illustration, j’ai toujours commencé par dessiner en petit format mes recherches d’idées. Et ceci jusqu’au dessin final, avant de passer à l’encrage en noir et blanc, ou à la peinture !

 

Pour le “crayon-tube”, j’ai commencé par faire des recherches, ci-dessus, sur du calque d’un format de 21 x 27 cm, avec deux crayons, un bleu & un rouge…

Puis j’ai réalisé un dessin — que j’ai annoté — d’un tube de dentifrice. Dessin placé ci-dessous, qui est à peu près au format du crayonné original, soit 15 cm de large, sur du papier machine de 80 ou 90 g/m2 !

Dessin au crayon — et annoté — d'un tube de dentifrice par Richard Martens.
Dessin au crayon — et annoté — d’un tube de dentifrice par Richard Martens.

 

Pourquoi agrandir ?

Sauf à avoir une âme de miniaturiste, il est très souvent utile de dessiner — ou de peindre — en grand format, car on peut traiter de détails sans se fatiguer les yeux, entre autres raisons.

De plus, un petit “raté” sera quasi invisible dans une grande réalisation. Ce n’est pas un hasard, si, sur Facebook, dans les groupes — nombreux — consacrés à la peinture &/ou au dessin, beaucoup de réalisations sont faites en très grand format. Parfois plus d’un mètre de côté… il y a souvent des objets posés près de l’oeuvre (crayons, stylo-bille, etc.) qui donnent une idée de l’échelle de la création. Et donc de sa taille.

Travailler en grand est très souvent plus “confortable”, quand on a la place…

 

À noter…

Pictogramme "crayon" par Richard Martens.Agrandir un dessin, signifie aussi reporter le dessin ! Et reporter un dessin sur un feuille “fraîche” ou une toile signifie que le support n’est pas “fatigué”.

En effet, souvent le fait de dessiner sur la feuille un peu longtemps, voire de gommer va “fatiguer” la feuille, la marquer, l’abîmer !

Nous allons voir maintenant le sujet principal de cet article…

 

Existe t-il des méthodes pour  agrandir un dessin ?

Oui, il en existe un certain nombre ! Certaines sont très anciennes. Certaines sont plus pratiques que d’autres. Certaines sont pratiques… Mais coûteuses !

Dessin final sur papier machine en A4 représentant un “crayon-tube”, avec une mise aux carreaux, par ©Richard Martens.
Dessin final sur papier machine en A4 représentant un “crayon-tube”, avec une mise aux carreaux, par ©Richard Martens.

Il existe diverses façons d’agrandir un dessin. En voici une liste :

  • la mise aux carreaux, méthode la plus ancienne (Michel-Ange, Léonard de Vinci, etc.) que j’explique dans cet article. Elle est économique, et implique d’avoir de la patience ;
  • la prise de vue en diapositive, puis sa projection (les peintres hyperréalistes Américains, Salvador Dali probablement, etc.) ;
  • le rétroprojecteur ;
  • l’épidiascope (Joseph Gillain dit Jijé…) ;
  • la chambre noire (Vermeer…) ;
  • la chambre claire (Dürer, Léonard de Vinci…) ;
  • la photographie (Jean-Jacques Vincent…) ;
  • le scanner.

Il est possible que j’en oublie…

J’en expliquerai certaines plus tard, en fonction des questions que vous seriez amené à me poser.

Ci-dessus, j’ai placé mon dessin final, en bleu, sur un papier machine en format A4 (21 x 29,7 cm).

 

Le carroyage ou mise aux carreaux

Le procédé qui consiste à tracer des carreaux sur un dessin est très ancien et se nomme le « carroyage » ou la « mise aux carreaux ».

Mon dessin lui même, mis aux carreaux ci-dessus, mesure 10 cm de haut x 18 cm de large.

Quand le dessin a été terminé, j’ai tracé des carreaux d’un centimètre de côté, soit dix-huit carreaux de large pour dix carreaux de haut,  donc un dessin de 18 cm x 10 cm !

Et je place, pour chaque colonne et pour chaque rangée :

  • soit des nombres romains (de I à XVIII, ici) & arabes (de 1 à 10 ou plus) ;
  • soit des nombres (de 1 à 18, par exemple) et des lettres de l’alphabet (de A à J, par exemple).

L’important est de pouvoir repérer chaque case/carré par une donnée numérique ou alpha-numérique. Par exemple : 3-XII ou bien C-12, selon votre choix de notation des colonnes et des rangées.

Vous pouvez voir que j’ai fait cela sur le dessin ci-dessus : de 1 à 10 pour les rangées, et de I à XVIII, pour les colonnes.

 

Placer des carreaux plus petits dans des carreaux ?

Ci-dessous, j’ai placé un agrandissement photographique d’un détail de ce dessin final. Pour montrer que parfois, il peut y avoir beaucoup de petits détails. Auquel cas il suffit – là ou il y a des petits détails – de diviser en deux chacun des côtés des carrés concernés. Comme ci-dessous…

Détail agrandi du dessin final sur papier machine en A4 représentant un “crayon-tube”, avec une mise aux carreaux, par ©Richard Martens.
Détail agrandi du dessin final sur papier machine en A4 représentant un “crayon-tube”, avec une mise aux carreaux, par ©Richard Martens.

Il m’est arrivé, lors de la lecture d’un ouvrage qui se voulait sérieux, de lire que le peintre Edgar Degas utilisait les carreaux pour apprendre à dessiner. Alors qu’il est plus que probable que Degas devait utiliser le carroyage pour agrandir et reporter son dessin, afin de le peindre… en plus grand… sur une toile !

À noter…

Pictogramme "crayon" par Richard Martens.En haut à droite de cet agrandissement — ci dessus —, les carreaux mesurent — en réalité — 1 cm. Alors qu’en bas et à gauche, j’ai “doublé” les carreaux. Pour le dire autrement, j’ai divisé en deux les carreaux d’un centimètre. Donc nous pouvons voir des carreaux — avec un tracé plus fin — d’un demi centimètre, donc de 5 mm (cinq millimètres) de côté ! Cela va permettre de mieux gérer les détails.

 

Comment agrandir ? En reportant le dessin, carré après carré, dans des carreaux plus grands !

Pour agrandir, il suffit de prendre une feuille plus grande. Une feuille de la taille du support final : toile, papier…

Pour cette peinture, j’ai opté pour un papier de format supérieur à A3 (29,7 x 42 cm). Aussi ai-je pris une feuille de calque de format A3… Sur cette feuille A3, j’ai tracé des carreaux deux fois plus grands, de 2 cm de côté. Soit dix carreaux de haut pour dix-huit carreaux de large !

 

Comparons la taille du dessin final et de son agrandissement

Ci-dessous, j’ai mis exprès le dessin final, lequel est — dans la réalité — inscrit dans un A4 — donc un peu plus petit qu’un A4 —, et son agrandissement dans un format A3 (29,7 x 42 cm) soit un peu plus du double ! Il va de soi que ce ne sont pas les vraies mesures sur cet écran d’ordinateur. Cependant le rapport est à peu près le même, soit quasiment du simple au double !

Dessin final sur papier machine en A4 représentant un “crayon-tube”, avec une mise aux carreaux, par ©Richard Martens.
Dessin final sur papier machine en A4 représentant un “crayon-tube”, avec une mise aux carreaux, par ©Richard Martens.
Calque en A3 (29,7 x 42 cm) représentant un “crayon-tube”, avec une mise aux carreaux, par ©Richard Martens.
Calque en A3 (29,7 x 42 cm) représentant un “crayon-tube”, avec une mise aux carreaux, par ©Richard Martens.

Sur ce calque de l’agrandissement, retrouvé récemment, nous pouvons voir que je l’avais plié en deux pour l’archiver. Et qu’il comporte des traces de rouge déposé à l’aérographe1.

J’avais — plus haut — indiqué que, sur le dessin d’origine, j’avais divisé certains carreaux, en carreaux de 5 mm, pour les détails. J’ai donc fait la même chose sur le calque de format A3, avec des carreaux d’un cm dans les carreaux de 2 cm !

Puis en allant de carreau en carreau, j’ai reproduit sur le calque A3, TOUT ce qu’il y avait dans chaque carré du dessin d’origine. D’où l’intérêt de “nommer” les carrés, grâce au “codage” alpha-numérique” (ou pour moi, “codé” ici, en nombres romains & arabes). Ceci évite de se perdre. Y compris en faisant des pauses. Ainsi, il est facile de savoir où on en est…

 

Quand tout le dessin a été agrandi, il reste à le décalquer, puis à peindre !

Peinture inachevée de ©Richard Martens, représentant un “crayon-tube” rouge..
Peinture inachevée de ©Richard Martens, représentant un “crayon-tube” rouge..

Comme je l’ai écrit dans le chapeau2, cette peinture est, pour moi, inachevée, puisque la partie centrale du tube est “plate”, c’est-à-dire seulement faite d’un aplat rouge sans le moindre modelé d’une part, et le bois près de la mine n’est pas… “ter-miné”, d’autre part.

Voilà… J’espère avoir été explicite, sans être ennuyeux. Et que cet article servira à quelqu’un.

 Si ce n’est pas assez explicite, merci de me le dire dans les commentaires ci-dessous. Vous pouvez aussi poser des questions, ou rédiger des demandes. Merci d’avance !

Richard Martens

Texte version 2.0, pour cause de refonte post-piratage…

Notes

  1. Aérographe : c’est une sorte de pistolet pour la peinture. Un pistolet qui pulvérise très finement de la couleur liquide. Ce nom était à l’origine une marque Américaine, qui existerait toujours : Aerograph. Sans “e” à la fin, et bien sûr sans accent… C’est devenu, comme Frigidaire, un nom commun sans majuscule.
  2. Chapeau (ou chapô) : terme de typographie pour désigner, dans la presse, le texte d’introduction/présentation d’un article. Souvent en corps gras (typographie plus épaisse), voire dans un corps plus grand (c’est-à-dire un texte plus grand).

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Proportions d’une tete d’adulte – 3

Voici la troisième partie de l’analyse des proportions d’une tête d’adulte de FACE.

Pour mémoire, j’ai réalisé ces analyses à partir de la photo de la tête d’une jeune femme de la fin du XIXe siècle ou du début du XXe siècle. La source photographique est la “Collection of the Australian National Maritime Museum”. Je rappelle que je répète cette information dans un souci de respect du droit d’auteur. En effet, il arrive que le propriétaire des droits de reproduction d’une image (dessin, illustration , peinture, photo…) offre le droit à l’image. En contre-partie, il est explicitement demandé de mentionner la source de cette image. Ce que je fais volontiers. Merci à l’Australian National Maritime Museum pour ce cadeau.

Pour ce troisième article, nous allons voir les proportions des yeux de face. Et ce qui en découle…

 

L’espace entre les deux yeux égale un oeil1 !

il y a la largeur d'un oeil entre les deux yeux. Analyse par Richard Martens. Source : “Collection of the Australian National Maritime”.
il y a la largeur d’un oeil entre les deux yeux. Analyse par Richard Martens. Source : “Collection of the Australian National Maritime”.

Ceci est facile à mémoriser. L’espace entre les deux yeux est égal à un oeil.

Comme s’il y avait trois yeux, côte à côte… Voyons la photo ci-contre…

Comme précé-demment, pour bien le démontrer, j’ai placé quatre lignes verticales roses, de part et d’autre de trois rectangles vert pâle, égaux entre eux et de  largeur… d’un oeil, bien sûr !

Notes

  1. Rappel : je commets délibérément une faute typographique en ne mettant pas un “o, e dans l’o”, pour le mot “oeil” dans le titre, car les robots de Google, et autre robots, pour un recensement de cet article, risquent de “perdre un titre” pour cause d’incompréhension, dans l’univers international d’internet. “Œ” (ici en majuscule) ou “œ” n’est pas un signe typographique international, mais bien un signe typiquement Français. Bilan : une personne qui fait une recherche “risque“ de ne pas trouver cet article. Même chose pour les lettres accentuées : à, é, é ï, etc. et les mêmes en capitales : À, É, È, Î, Ï, Ÿ, Ô, etc.
  2. Si, si ! Les majuscules accentuées existent… En français. La preuve ? Elles se trouvent… juste avant ! (;-{D}

 

La largeur d’une tête d’adulte de face égale… CINQ yeux !

Pour un visage de face, il y a 5 yeux de large. Analyse par Richard Martens. Source : “Collection of the Australian National Maritime”.
Pour un visage de face, il y a 5 yeux de large. Analyse par Richard Martens. Source : “Collection of the Australian National Maritime”.

Fort du paragraphe précédent, il suffit de mémoriser cela aussi.

Mémoriser cela nous permet d’observer, sur un modèle de face, si ses proportions coïncident avec le canon d’atelier.

Car, je le rappelle, tout ceci est un Canon d’atelier. Donc des proportions “idéales”. Et aucun de nous ne correspond totalement à un canon.

Même remarque sur cette photo, concernant les lignes verticales & les CINQ rectangles égaux, de la largeur d’un oeil…

 

Les traits du visages s’inscrivent dans un triangle équilatéral

Les éléments du visage s'inscrivent dans un triangle équilatéral. Analyse par Richard Martens. Source : “Collection of the Australian National Maritime”.
Les éléments du visage s’inscrivent dans un triangle équilatéral. Analyse par Richard Martens. Source : “Collection of the Australian National Maritime”.

Comme son nom l’indique, un triangle équilatéral a donc (“TRI-angle” : trois angles et aussi…) trois côtés (“équi-LATÉRAL”) égaux (“ÉQUI-latéral”).

Nous pouvons voir, sur la photo, que les traits du visage (les yeux, le nez, la bouche) s’inscrivent dans un triangle équilatéral. Pour autant, ils ne coïncident pas avec les sommets des angles ou avec les côtés. C’est juste une remarque intéressante… La ligne haute horizontale coïncide avec la ligne des sourcils. Et la pointe inférieure, avec le bas du menton…

 

Notons, cependant, que la largeur de la bouche peut coïncider avec deux côtés du triangle… Ici, c’est le cas. Est-ce toujours le cas ? C’est à vérifier, face à un modèle.

 

Pictogramme "Crayon2" par Richard Martens.Pour dessiner, il y a trois intérêts à connaître un canon d’atelier :

  1. comparer avec la réalité, pour mieux observer et reproduire la réalité ;
  2. pouvoir faire un portrait de mémoire plus tard, après avoir bien comparé face au modèle ;
  3. pouvoir créer d’imagination !

 

Coïncidences troublantes avec deux triangles équilatéraux

Les éléments du visage s'inscrivent dans un double triangle équilatéral. Analyse par Richard Martens. Source : “Collection of the Australian National Maritime”.
Les éléments du visage s’inscrivent dans un double triangle équilatéral. Analyse par Richard Martens. Source : “Collection of the Australian National Maritime”.

Si nous poussons plus avant la “remarque”, avec un second triangle équilatéral concentrique (du Latin “CON” = “avec”, et “CENTR-ique” = “centre”), ayant le “même” centre (un “centre commun”), nous obtenons ceci (voir la photo de gauche)…

Ici, deux des côtés du second triangles passent par le milieu des yeux, et le troisième, horizontal, est en relative coïncidence avec la bouche.

Ceci n’est pas une règle absolue, je le répète…

C’est tout pour cet article.

 

Je reviendrai, plus tard sur la tête de profil, et aussi sur la construction d’une tête réaliste d’imagination. Et je ferais à nouveau référence à ce canon d’atelier…

Est-ce que cela vous est utile ? Quoi qu’il en soit, osez l’écrire, ci-dessous, dans les commentaires…

Richard Martens

Texte version 2.0, pour cause de refonte post-piratage…

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Proportions d’une tete d’adulte – 2

Voici donc la suite de l’article sur l’analyse des proportions d’une tête d’adulte.

Analyses réalisées à partir de la photo de la tête d’une jeune femme de la fin du XIXe siècle ou du début du XXe siècle. Et pour mémoire, la source photographique est la “Collection of the Australian National Maritime Museum”. Pour ce deuxième article, nous allons voir le canon d’atelier de la face. Donc du menton jusqu’au sommet du front ou presque, selon l’implantation des cheveux… Quand il y en a !

Ce canon recoupe celui des auteurs déjà cités, ainsi que, un peu dans le désordre ou presque, MM. Arnould Moreaux, Richard G. Hatton, Walt Reed, George Bridgman, Arthur Thomson, Guy Pehourcq, Edmond J. Farris, John Vanderpoel, Walter Foster, John Buscema, Burne Hogarth, Rich Buckler, et quelques autres…

Nous en étions à la face divisée en trois parties…

 

La FACE se divise en trois parties égales en hauteur

La face se divise en trois parties égales. Analyse par Richard Martens. Source : “Collection of the Australian National Maritime ».

Rappel : le visage, donc la face (et non pas toute la tête, je le rappelle !) se divise en trois parties égales, ou étages.

Il y a :

  • du bas du menton au bas du nez (étage inférieur)
  • du bas du nez aux sourcils (étage médian)
  • des sourcils à (plus ou moins) la racine des cheveux (étage supérieur)

Nous allons maintenant voir quelques subtilités, liées à cette division en trois parties…

Pour cela, nous allons nous occuper de l’étage inférieur, celui qui va du bas du nez au menton.

 

L’étage inférieur se divise, lui aussi, en trois parties égales

Il y a trois parties entre le bas du nez et le bas du menton. Source : “Collection of the Australian National Maritime”.
Il y a trois parties entre le bas du nez et le bas du menton. Source : “Collection of the Australian National Maritime”.

Afin de faire ressortir ces trois parties, j’ai placé trois carrés bleus égaux.

Et j’ai ajouté les quatre lignes horizontales séparatrices…

En fait deux lignes entre la ligne du bas du nez et la ligne du bas du menton.

J’ai aussi indiquer les tiers… Avec des fractions !

Voyons cela plus en détails…

 

 

La ligne séparatrice du tiers supérieur égale la bouche

La bouche est au 1/3 supérieur de l’espace entre le bas du nez et le bas du menton. Analyse par Richard Martens. Source : “Collection of the Australian National Maritime”.
La bouche est au 1/3 supérieur de l’espace entre le bas du nez et le bas du menton. Analyse par Richard Martens. Source : “Collection of the Australian National Maritime”.

La ligne qui marque le tiers supérieur, entre le nez et le menton est la ligne de la bouche.

C’est, plus précisément, la séparation entre les deux lèvres, comme nous pouvons le voir sur la photo ci-contre…

Il s’agit donc littéralement d’une ligne séparatrice !

 

 

 

La ligne séparatrice du tiers inférieur égale le creux du menton

Le creux du menton se situe au 1/3 inférieur de l'étage “nez-menton”. Analyse par Richard Martens. Source : “Collection of the Australian National Maritime”.
Le creux du menton se situe au 1/3 inférieur de l’étage “nez-menton”. Analyse par Richard Martens. Source : “Collection of the Australian National Maritime”.

Ce que nous pouvons voir, là aussi, sur la photo à gauche, c’est que la ligne séparatrice des deux parties inférieures correspond au creux du menton !

Notons que le menton lui-même est un peu comme un ballon ovoïde couché, presque un ballon de rugby…

 

 

 

Si nous faisions le schéma d’une tête ?

Nous pouvons voir, ci-dessous, un schéma commenté — j’insiste sur le mot schéma, car c’en est un.

Pourquoi un schéma ?

Pictogramme "Point d'interrogation" par Richard Martens.Tout simplement parce que les schémas sont la base — très souvent — aussi bien du dessin réaliste d’imagination, que du dessin d’observation.

Comme l’intérêt à moyen terme est de pouvoir dessiner des têtes réalistes d’observation ou d’imagination, il importe que les schémas soient “justes”, efficaces, bien contruit… Si les proportions sont bonnes, alors on peut poursuivre le dessin ! Voire la peinture ?

Sans un schéma juste, dessiner des détails, ce serait comme de poser du papier peint de qualité sur les murs d’une maison bâtie de travers !

Schéma commenté d'un schéma de tête réaliste au tableau vert, par Richard Martens, en 2014.
Schéma commenté d’un schéma de tête réaliste au tableau vert, par Richard Martens, en 2014.

Un schéma est réalisé en six, voire sept traits horizontaux maximum pour un portrait réaliste de face :

  • deux traits pour les sourcils ;
  • deux traits pour les yeux ;
  • un trait pour le bas du nez ;
  • un trait pour la bouche ;
  • et (pourquoi pas ?) un septième trait pour le creux du menton.

 

Schéma au tableau vert d'une tête d'adulte imaginaire réaliste, par Richard Martens, en 2013.
Schéma au tableau vert d’une tête d’adulte imaginaire réaliste, par Richard Martens, en 2013.

Si maintenant nous dessinons une forme proche d’un oeuf, et que nous le divisions en deux dans sa hauteur totale, nous aurions la ligne des yeux.

Plaçons, au dessus des yeux, et un peu au “pifomètre”, une ligne. Ce sera la ligne des sourcils. Appelons-là “Équateur”. Je reviendrai plus tard sur le choix de ce mot… Qui nous vient d’Andrew Loomis.

Nous avons vu, précédemment, que le milieu de la hauteur entre la ligne des sourcils et le bas du menton… c’est le bas du nez !

Et la bouche se place, nous venons de le voir, au tiers supérieur de l’étage inférieur !

Quant au menton, j’ai opté pour une forme “ovoïde”, placée entre le creux du menton & le bas du menton.

À NOTER…

Pictogramme "crayon" par Richard Martens.Que le crâne est presque sphérique. Donc presque comme un demi-cercle de face. Comme un oeuf, avec la partie “pointu”, “étroite” en bas. Car le menton est presque comme un — petit — ballon de rugby couché ! Je reviendrai sur ce principe dans un prochain article…

 

Le suite prochainement, avec plus de détails concernant les proportions des yeux de face…

Merci Micheline pour tes commentaires qui m’encouragent à continuer ! Et merci à celles & à ceux qui osent commenter ci-dessous…

Richard Martens

Texte version 2.0, pour cause de refonte post-piratage…

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Proportions d’une tete d’adulte – 1

Voyons quelques principes de base des proportions d’un “vrai” visage. Pour cela nous allons analyser un portrait à partir d’une photo…

Les principes qui suivent s’appliquent à quasiment tous les visages. Donc à toutes les têtes réalistes qu’on peut et qu’on veut créer ou observer et dessiner ! Avec, évidemment quelques variations…

Toutes les informations qui suivent correspondent à ce qu’on nomme un “Canon d’atelier”, c’est-à-dire des proportions idéales, qui varient selon les artistes : Vitruve, Léonard de Vinci, Albrecht Dürer, Jean Cousin, William Rimmer, Richard Hatton, Paul Richet, etc.

 

Un portrait normal de face

Portrait de jeune femme. Source de la photo : “Collection of the Australian National Maritime Museum”.
Portrait de jeune femme. Source de la photo : “Collection of the Australian National Maritime Museum”.

Nous allons prendre, comme exemple de démonstration, la photo du visage d’une jeune femme de la fin du XIXe siècle ou du début du XXe siècle.

Le cadrage correspond à ce qu’on nomme un “plan taille” ou un “premier plan”. Cette photo est notre point de départ…

J’ai pratiqué sur d’autres « têtes » ces mêmes analyses. Qui sont utiles pour observer ou pour créer…

 

Source photographique

Comme il est important, pour moi, de citer mes sources, cette photo provient de la “Collection of the Australian National Maritime Museum”. Sans qu’il y ait plus d’indication sur la personne ou l’auteur de la photo d’origine…

 

Les auteurs d’un canon d’atelier & sources d’influence

Concernant l’analyse des proportions d’une tête d’adulte, je m’appuie, entre autres, sur les travaux des dessinateurs et auteurs cités ci-dessus :

  • Vitruve ;
  • Léonard de Vinci ;
  • Albrecht Dürer ;
  • Jean Cousin ;
  • William Rimmer ;
  • Richard Hatton ;
  • Paul Richet.

Je m’appuie aussi sur les ouvrages d’Andrew Loomis, illustrateur Américain de talent, qui a écrit (à ma connaissance) cinq livres sur le dessin…

Pictogramme "Point d'exclamation" par Richard Martens.Attention ! TOUT ce qui suit correspond à une synthèse de divers canons d’atelier. Donc à la vision d’une tête idéale ! La réalité est faite de variantes de ces canons… Donc peu de personnes correspondent complètement à ce canon !

 

Un visage normal de face

Gros plan de jeune femme. Source : “Collection of the Australian National Maritime Museum”.
Gros plan de jeune femme. Source : “Collection of the Australian National Maritime Museum”.

Pour des raisons pratiques, les analyses porterons sur un visage, dans un cadrage plus serré. Ce qu’on appelle un “gros plan”.

Ceci afin de mieux se concentrer sur la tête elle-même.

Analysons maintenant les proportions d’un visage réaliste adulte… D’abord par rapport à la hauteur.

Par la suite, nous analyserons la tête par rapport à la largeur.

 

Pourquoi connaître cela ?

Pictogramme "Point d'interrogation" par Richard Martens.Il est essentiel de savoir tout cela. C’est-à-dire de connaître les proportions d’une tête humaine si on souhaite réaliser des dessins ou des peintures de portraits réalistes.

connaître cela permet d’observer les différences entre ces proportions idéales et la réalité observée.

C’est aussi utile pour créer une tête imaginaire !

 

LE VISAGE DANS LA HAUTEUR

Comme je viens de l’écrire, dans un premier temps, nous allons analyser la tête dans sa hauteur.

Puis nous verrons, dans un prochain article, la tête dans sa largeur.

 

La TÊTE peut se diviser en deux parties égales en hauteur…

J’ai mis le mot “TÊTE” en majuscules, car il s’agit bien de TOUTE la tête, du sommet du crâne au bas du menton… Pour bien distinguer la suite qui concerne la FACE, du haut du front, jusqu’au bas du menton !

 

… Car les yeux sont au milieu de la hauteur de la tête

La tête se divise en deux parties égales. Analyse par Richard Martens. Source : « Collection of the Australian National Maritime ».
La tête se divise en deux parties égales. Analyse par Richard Martens. Source : « Collection of the Australian National Maritime ».

Une particularité, c’est que nos yeux sont au milieu de la hauteur de notre tête.
J’ai placé deux rectangles verts égaux pour montrer que les yeux sont au milieu de la hauteur de la tête, du sommet du crâne au bas du menton.

Attention !
Je le rappelle, je parle bien de la tête (du sommet du crâne au bas du menton), et non de la face (du bas du menton à la racine des cheveux) !

À noter… Que l’épaisseur des cheveux modifie plus ou moins ce “milieu” ! Auquel cas, s’il y a beaucoup de cheveux, il semble que les yeux soient en dessous du milieu de la hauteur totale…

 

La FACE se divise en trois parties égales en hauteur

La face se divise en trois parties égales. Analyse par Richard Martens. Source : “Collection of the Australian National Maritime".
La face se divise en trois parties égales. Analyse par Richard Martens. Source : “Collection of the Australian National Maritime ».

Il s’agit ici de la face et non pas toute la tête, je le rappelle ! Le visage, donc la face peut se diviser en trois parties égales. Qu’on nomme, en physiognomonie, les trois étages :
•    du bas du menton au bas du nez (étage inférieur) ;
•    du bas du nez aux sourcils (étage médian) ;
•    des sourcils à (plus ou moins) la racine des cheveux (étage supérieur).

Trois rectangles rouges égaux, entre les lignes vertes, montrent ces parties  égales.

À NOTER… En général, dans les divers canons, les oreilles s’inscrivent dans l’étage médian, donc de la ligne des sourcils au bas du nez.

 

Lors du prochain article, je vais détailler l’étage inférieur… Et les proportions de la largeur des yeux dans la face !

 

À suivre…

Merci de commenter, questionner, demander…

Richard Martens

Texte version 2.0, pour cause de refonte post-piratage…

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Etapes d’illustration de la Bosse du crime – 2

Voici donc la suite & la fin de cet article consacré aux étapes de création de l’illustration de “La Bosse du crime” de William Moles, dans sa réédition de 1983, publié par les éditions Gallimard, dans la collection ©Carré noir, nº 504…

Nous allons voir les dernières étapes jusqu’à la parution du livre (le tirage), avec sa couverture, & les étapes intermédiaires jusqu’à la peinture finale.

Ces dernières étapes sont :

  • le calque final valorisé au crayon, vu dans le précédent article ;
  • l’esquisse en couleurs aux feutres ;
  • la réalisation finale, c’est-à-dire la peinture proprement dite ;
  • le tirage, c’est-à-dire la couverture imprimée.

La toute dernière étape ne dépend cependant plus de l’illustratrice ou de l’illustrateur, mais de l’éditeur. Ce sont les étapes de la “fabrication”, puis du “tirage”, avant la “distribution”. Voyons les étapes de la réalisation un peu plus en détail…

 

Quatrième étape : le dessin final « poussé » en valeurs

Second calque de Richard Martens pour "La Bosse du crime".
Second calque de Richard Martens pour « La Bosse du crime ».

Cette étape du dessin poussée en valeurs a déjà été explicitée dans l’article précédent. Je remet ici la reproduction du calque final afin de permettre de pouvoir mieux observer les changements à partir du dessin définitif ! Donc ce calque représente le dessin définitif… Ou presque ! En effet, nous pouvons voir que j’ai dessiné le nez de la jeune femme. Et je l’ai valorisé. Ce ne sera plus le cas dans l’esquisse en couleurs…

 

Cinquième étape : l’esquisse en couleurs (ou “rough”)

Esquisse aux feutres ("rough"), par Richard Martens, pour « La Bosse du crime ».
Esquisse aux feutres (« rough »), par Richard Martens, pour « La Bosse du crime ».

Ensuite, vient l’esquisse en couleurs, la pochade, souvent nommée le « rough » ( en “franglais”, qu’on prononce “reuffe”) en couleurs. Pour cela j’utilise des feutres (appelés “markers” en ”franglais”). Et le mieux est d’utiliser un papier spécial appelé “papier layout“. Ce papier est très chargé en colle. Ainsi le feutre ne “transpire pas au travers du papier. Et les couleurs du dessin restent net.

Avantages du papier “layout” avec des feutres

Le papier “layout” présente au moins quatre avantages :

  1. — il est translucide, presque comme un calque, ainsi, il est facile de “décalquer” le dessin placé dessous ;
  2. — il est “imperméable”, donc la couleur ne tache pas la feuille suivante ;
  3. — il est très fin. Ce qui permet de coller plusieurs morceaux de papier sans qu’apparaisse des sur-épaisseurs ;
  4. — il permet de poser des couleurs avec des  bords nets. Donc la réalisation reste nette. sinon elle pourrait être floue, “baveuse”.

 

Inconvénients du papier ordinaire avec des feutres

Car un papier ordinaire présente au moins trois inconvénients avec les feutres (les “markers”) :

  1. — il “aspire” la couleur comme un buvard, usant prématurément le feutre ;
  2. — il “transpire”, ce qui fait que la couleur apparaît à l’arrière de la feuille (au verso) et tache la feuille en dessous ;
  3. — il a tendance à “baver”, générant ainsi un bord légèrement flou. Et le dessin n’est plus net !

 

But du “rough” ?

Pictogramme "Cible" par Richard Martens.Le but de l’esquisse en couleurs (du “rough”) est de pouvoir montrer à la/au D.A. (Directrice/Directeur artistique) ce que sera la peinture ou la photo finalisée…

Chez Gallimard, la règle était de livrer une illustration finie. Ensuite la D.A., ou le Directeur commercial, ou l’éditeur, ou l’auteur pouvait dire “NON !” Et à l’arrivée du chèque (et à la somme indiquée dessus) je savais si la peinture avait été acceptée ou non…

Et pour une illustration finie chez cet éditeur, ici, j’ai les “casquettes de créatif (trouver l’idée), de Directeur artistique (D.A. qui choisi la meilleure idée), et d’illustrateur (qui réalise. Parfois on dit “qui exécute” !)

Je décide de cadrer encore plus serré ! Et je fais l’image aux feutres…

En fait, personne n’a donc vu ces étapes pendant la commande. Seul le résultat final a été livré chez l’éditeur, Gallimard… Je ne savais donc pas s’il allait être accepté ou refusé ?

 

Sixième étape : la peinture originale à l’aérographe

Illustration originale de « La Bosse du Crime » par Richard Martens.
Illustration originale de « La Bosse du Crime » par Richard Martens.

Pour passer à la réalisation, je peins, ici, à l’aérographe (sorte de pistolet à peindre, très fin), avec des encres acryliques & des peintures acryliques, dans un format plus grand d’un tiers, par rapport au format de parution.

Avec l’aérographe (comme pour une peinture à la bombe ou au pistolet), la peinture (liquide) se dépose comme un brouillard, puisque la couleur liquide est littéralement pulvérisée, vaporisée dans l’air en direction du papier.

Pour éviter que la couleur se dépose partout, j’utilise des caches adhésifs qui protègent les zones que je veux épargner.

Un certain nombre de détails, voire de parties de l’image sont peints avec un pinceau fin et de la peinture acrylique…

Ci-dessus, vous pouvez voir une reproduction de la peinture originale.

Attention

Pictogramme "Point d'exclamation" par Richard Martens.Cette peinture est cadrée beaucoup plus largement que sa future impression. C’est fait exprès. Il est essentiel de prévoir de la matière supplémentaire pour faciliter la prise de vue & le cadrage… Au cas où il serait nécessaire de cadrer plus large, ou pour la rogne (quand l’image arrive au(x) bord(s) de la page. Ce qu’on nomme “à fond perdu”. Ce n’est pas le cas ici.

 

Quelques détails de la peinture originale…

La bouche…

Richard Martens : « La Bosse du Crime ». Détail de la bouche.
Richard Martens : « La Bosse du Crime ». Détail de la bouche.

J’ai eu envie de montrer des détails de la peinture : la bouche, tout d’abord.

Je suis parti d’une photo…

Quand on utilise une photo comme modèle, le terme professionnel pour désigner cela est “le modèle du pauvre”…

Avec cette expression, il est sous-entendu que l’artiste n’avait pas les moyens financiers pour louer les services d’une vraie modèle !

Technique sommaire

Pictogramme "Palette" par Richard Martens.Beaucoup de peinture au pinceau fin ! Je peins d’abord les noirs. Puis je place tout le rouge transparent en aplat ou en dégradé, selon le sujet.

Ici, cela a plutôt été deux aplats :

  • un assez vif pour la lèvre inférieure.
  • un plus sombre pour la lèvre supérieure qui est (presque) toujours plongée dans une légère ombre… Avec un éclairage plafonnant… Ou le soleil. Pour le dire autrement, un peu sombre avec un éclairage venant du haut !

Ensuite quelques ajouts de blanc au pinceau, PUIS à l’aérographe sans cache adhésif, pour créer un léger flou…

 

Le “tuyau-serpent” & les écailles

Richard Martens : « La Bosse du Crime ». Détail des écailles.
Richard Martens : « La Bosse du Crime ». Détail des écailles.

Pour l’aspect “serpent” du tuyau à gaz, là aussi, j’ai utilisé une ou deux photos… Donc « le modèle du pauvre » une fois de plus.

Il est vrai que, dans ce cas, il n’est pas évident de louer les services… d’un serpent.

Et aller au vivarium du Jardin des plantes, constitue une « perte de temps ».

Comme ce type de réalisation est relativement peu payé, cela ne serait pas « rentable »… Et même un artiste a à payer un loyer chaque mois, plus diverses charges…

Technique sommaire

Pictogramme "Palette" par Richard Martens.D’abord un dégradé vert appliqué à l’aérographe.

Ensuite, j’ai peint uniquement au pinceau fin, écaille après écaille, une par une ! Les bords sombres d’abord.

Puis quelques lumières avec du blanc dilué à la fin…

 

La boucle d’oreille…

Richard Martens : « La Bosse du Crime ». Détail de la boucle d'oreille.
Richard Martens : « La Bosse du Crime ». Détail de la boucle d’oreille.

Une seule boucle d’oreille, bien sûr, car dans le récit, il est dit que l’autre est perdue !

Comme toujours, c’est un principe, pour une réalisation réaliste, j’utilise :

  • soit un “objet” à observer ;
  • soit deux ou trois photos…

Là encore, j’ai fait usage du modèle du pauvre…

Un professionnel de l’illustration – surtout réaliste – se doit de posséder une documentation abondante et d’accès rapide. Ceci afin de ne pas passer des heures à chercher un document. Les Américains ont nommé la documentation de l’illustrateur et du peintre : une « morgue » !

Technique sommaire

Pictogramme "Palette" par Richard Martens.Pour les petits détails des pierres précieuses, je peins au pinceau avec du gris, et quelques touches de bleu…

La perle est faite à l’aérographe, avec de l’ocre jaune…

 

Septième étape : le tirage de la couverture

Tirage de l’illustration de couverture de Richard Martens pour « La Bosse du crime ».
Tirage de l’illustration de couverture de Richard Martens pour « La Bosse du crime ».

Ensuite, j’ai livré la peinture, posée sur un carton épais, et protégée par une feuille de calque.

L’éditeur l’a accepté. Ce qui impliquait au moins l’auteur (ou les ayants-droits), la Directrice artistique, Mme Jeanine Fricker, le Directeur de collection, et à l’époque M. Antoine Gallimard, je suppose…

La “prise de vue” a été effectuée… Avec des risques de modifications ou de pertes de certaines couleurs (surexposition ou sous-exposition).

Puis l’imprimeur est intervenu. Là aussi, risques de modification des couleurs : réglage du débit des encres, réaction du papier, etc.

Enfin la couverture est imprimée. Ce qu’on désigne par le terme professionnel de “tirage”…

Vous pouvez observer que le cadrage est plus serré, comme prévu. Les couleurs sont un peu délavées. Parfois il peut y avoir un virage coloré, la montée d’une des couleurs qui domine… Ce sont les aléas de l’illustration. Enfin, il y a aussi des couleurs en peinture qui sont quasiment impossible à reproduire à l’impression !

Si vous voulez voir d’autres couvertures, dans un format plus petit, j’en ai placé, il y a déjà fort longtemps, sur les pages de mon site ancien :

http://richard-martens.eu/carrenoir504509c.html

Il y a des couvertures des collections “Carré noir”, “Série noire”, “Folio”, etc.

Voilà, c’est la… Fin de cet article.

J’espère avoir été clair. Sinon osez me poser des questions, par le biais des commentaires ci-dessous… Merci d’avance.

Richard Martens

Texte version 2.0, pour cause de piratage, ce qui a entraîné une restauration « à la main » !

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Etapes d’illustration de La Bosse du crime – 1

Tirage de l’illustration de couverture de Richard Martens pour « La Bosse du crime ».
Tirage de l’illustration de couverture de Richard Martens pour « La Bosse du crime ».

Cet article, en deux partie, va illustrer les quelques étapes – commentées – de la réalisation d’une illustration de couverture de roman, réalisée à l’aérographe¹. Ceci est dont la première des deux parties d’un article.

Tout ce qui suit est évidemment ma façon de procéder.

Pour illustrer ces diverses étapes, j’ai utilisé ce que j’ai réalisé pour la couverture d’un roman policier intitulé La bosse du crime, écrit par William Mole. Il s’agit de la réédition de 1983, publié par les éditions Gallimard, dans la collection ©Carré noir, nº 504.

J’ai encore les traces des diverses étapes, ce qui n’est pas le cas de tout ce que j’ai pu faire…

 

Brève description « technique » de la peinture finale

Cette illustration a été réalisée à l’aérographe & au pinceau, avec des encres acryliques et des peintures acryliques sur un papier blanc d’environ 250 g/m2.

Le format de réalisation était expressément demandé à un format d’un tiers plus grand que la parution, soit environ 20 cm, avec le supplément autour…

Cette illustration de couverture fut la première que les Éditions Gallimard me confièrent. Pour moi, il s’agissait probablement d’un test à partir de la vision de mon dossier professionnel, qu’on désigne sous le mot franglais « pressbook »… La réalisation de cette couverture fut suivi de nombreuses autres, d’abord pour la collection Carré noir, puis pour la mythique collection Série noire, et aussi pour la collection des livres de poche Folio.

Voyons maintenant les étapes de la réalisation…

 

Première étape : la lecture du texte

Exemple du texte dactylographié d'un traducteur : un "tapuscrit".
Exemple du texte dactylographié d’un traducteur : un « tapuscrit ».

Dans un premier temps, je lis le roman.

Ce n’est pas toujours le cas, car il est arrivé que j’ai eu en ma possession, parfois, seulement un résumé… C’était le cas de la collection Haute Tension, chez Hachette, ou au Fleuve noir, où j’ai failli travailler. En fait, cela dépend des éditeurs. C’est leur choix.

Parfois, il s’agit d’un texte en cours de traduction, donc indisponible. Et seul le résumé de la première lecture du conseiller est disponible.

Il est arrivé aussi, chez Gallimard, que le traducteur — car il s’agit parfois de traduction bien sûr — ait utilisé une machine à écrire — si ! Si ! Cela existait (;-{D} — avec un ruban tellement usé que j’avais l’impression de lire le texte avec deux ou trois calques posés dessus, tellement le texte était pâle ! À tel point que j’ai abandonné la lecture du roman, en décidant d’illustrer à partir des trois premiers chapitres que j’avais eu le courage de lire !

Et il est également arrivé — une fois me semble t-il — que je manque de temps, et que ce soit ma compagne qui ait lu le roman et qui me l’ait raconté brièvement ! Encore merci à toi…

 

Deuxième étape : la recherche d’idées

Recherches d'idées par Richard Martens pour "La bosse du crime".
Recherches d’idées par Richard Martens pour « La bosse du crime ».

Après la lecture, pour les recherches d’idées, je commence à noter des mots que le roman m’évoque. Des mots, et aussi les phrases, des verbes d’action, des titres de films, des titres de tableaux…Bref, je note tout ce que m’inspire ce texte.

 

À noter…

le dictionnaire analogique !

Toujours pour cette recherche, j’utilise quelquefois un dictionnaire analogique… Ce qui amène d’autres mots. C’est une façon de pratiquer seul le remue-méninge (“brainstorming” en franglais²). Gérard Bakner, un prestidigitateur particulièrement créatif, en magie, dessin d’humour, chanson… a dit, lors d’une conférence, que, lui aussi, utilisait ce type de dictionnaire.

Je réalise toutes ces recherches sur du papier machine ordinaire de format A4 (21 x 29,7 cm). Un papier de 80 ou 90 g/m2. Et les croquis de recherche sont toujours de très petit format.

Sur la photo ci-contre, il s’agit donc de feuilles de format A4, où vous pouvez voir tout à la fois des notes écrites, et des petits dessins (“thumbnail” en anglais).

 

Une idée symbolique pour ce roman

J’ai retenu, de ma lecture & de mes recherches, qu’au début du roman, une jeune femme est étranglée avec un tuyau à gaz, parce que l’assassin l’avait trouvé trop belle & trop sensuelle. Et elle perd une boucle d’oreille…

Fort de cela, j’ai fait le lien (si je peux me permettre ce jeu de mot !) entre le symbolisme du serpent & de la tentation biblique d’une part, et le tuyau à gaz d’autre part… J’opte donc pour une image symbolique d’un “serpent” qui se transforme en tuyau à gaz gris.

 

Troisième étape : une première ébauche de la couverture… Sur calque !

Premier calque de Richard Martens pour illustrer "La Bosse du crime".
Premier calque de Richard Martens pour illustrer « La Bosse du crime ».

Après avoir arrêté l’idée, arrive la première ébauche finalisée en dessin de la couverture.

Je la réalise sur calque au crayon graphite.

Cependant, elle ne me satisfait pas !

Parfois je réalise le dessin préparatoire final sur papier machine. Si c’est le cas, à la fin, je décalque le dessin préparatoire, pour le reporter sur un papier destiné à recevoir de la peinture. Donc un papier de fort grammage. Souvent 250 g/m2 au moins, voire 300 g/m2.

 

Quel avantage de dessiner sur du papier calque ?

Il n’y a pas à reporter le dessin final sur calque, puisqu’il y est déjà ! C’est un gain de temps.

 

Pourquoi reporter le dessin sur une autre feuille ?

Tout simplement, parce que le travail du crayon graphite & de la gomme “fatigue” le papier. La gomme peut amener certains matériaux a “accrocher” difficilement sur le papier. Et cela va rendre la peinture plus difficile ensuite, à l’aquarelle par exemple. Voire quasi impossible à l’aérographe, car il arrive, presque toujours, que les coups de crayons trop appuyés, et les creux du papier, causés par le crayon, vont continuer d’apparaître au final ! D’où l’intérêt de reporter le dessin sur un papier neuf, vierge de toutes pressions &/ou de coups de gomme…

À noter…

L’aspect “abimé”, “fatigué” de la feuille est visible sur ce premier calque : creux, bosses, brillances, calque qui “gondole”…

 

Quatrième étape : le dessin final « poussé » en valeurs

Second calque de Richard Martens pour "La Bosse du crime".
Second calque de Richard Martens pour « La Bosse du crime ».

Comme le premier dessin “poussé” ne m’avait pas plu, j’ai décidé de garder l’idée & de refaire le dessin. Toujours sur calque et toujours au crayon graphite).

J’opte pour un cadrage plus serré. Il manque délibérément le haut de la tête & le bas du buste…

Cette fois, je suis plutôt satisfait du résultat. Comme le dessin au trait me convient, je travaille un peu les nuances de gris. Ce qu’on appelle des valeurs. Et j’utilise aussi la gomme pour contrôler les tracés & les valeurs. Ou pour éclaircir…

Ceci me permet de voir ce que cela pourrais donner en termes d’ombres & de lumières. car il s’agit d’un dessin d’imagination qui, selon moi, doit suggérer une certaine réalité…Un certain réalisme…

Je dessine aussi le nez, sachant qu’il sera probablement coupé à l’impression.

Dans la partie basse du calque, à droite, je fais quelques essais d’écailles de reptiles…

Peinture dans un carré !

Détail que j’ai omis de préciser plus tôt, comme l’indique le nom de la collection (cf. Carré noir), la peinture doit être inscrite dans un carré ! Et il est indispensable de laisser une marge supplémentaire tout autour de 7,5 mm minimum…

Hommage à Yosuke Onishi

Illustration d'Onishi_Yosuke, extraite du livre "Airbrush Art in Japan", 1984. DR.
Illustration d’Onishi_Yosuke, extraite du livre « Airbrush Art in Japan », 1984. DR.

Pendant que je réalise ce calque préparatoire pour la peinture, je pense à une série d’oeuvres de Yosuke Onishi.

Cet artiste Japonais à réalisé une série de portraits à l’aérographe1 de vedettes féminines de cinéma, en ne dessinant que les yeux & la bouche sur fond blanc ! Et la ressemblance est stupéfiante !

De mémoire, il a réalisé le “portrait” d’Audrey Hepburn, de Marilyn Monroe, d’Elisabeth Taylor, de Sophia Loren, etc.

Vous pouvez voir, ci-contre une de ses créations…

Pensant à ces peintures, que Yosuke Onishi a réalisé à l’aérographe, je caresse l’idée de lui rendre un discret hommage, en laissant le visage de cette jeune femme en blanc. A voir ? Peut-être…

À noter…

Cette série (ou une partie ?) se trouve dans le livre Japonais “Airbrush art in Japan”. Livre publié en 1984, sauf erreur…

À suivre…

Que pensez-vous de cet article. Est-il clair ? Merci de laisser un commentaire…

Richard Martens

Texte version 2.0, après relecture, ajouts de textes et remise en place des liens des images, disparus après piratage et restauration…

Merci à Marie R…

 Notes

  1. Aérographe (n. m.) : pulvérisateur à air comprimé servant à projeter de l’encre, des couleurs. Peintre qui travaille à l’aérographe. Dictionnaire Antidote pour iPod Touch & iPad
  2. Etiemble était un ardent défenseur de la langue française, dans son célèbre livre, Parlez-vous franglais ?, éditions Gallimard, 1964, essai, Nouvelle édition revue et augmentée en 1973, puis en 1980.

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Stage de dessin en cerveau droit

Dessin en cerveau droit d'une chaise et d'une plante, lors d'une démonstration, par Richard Martens.
Dessin en cerveau droit d’une chaise et d’une plante, lors d’une démonstration, par Richard Martens.

Chaque année, souvent pendant la première semaine des vacances de février de la zone de Paris, et parfois à d’autres moment, je propose un “Stage de dessin réaliste en cerveau droit”.

C’est un stage de 30 heures, soit trois heures le matin & trois heures l’après-midi, pendant cinq jours.

Mon site est visible à cette adresse avec de nombreux exemples de dessins d’étudiants :

http://dessin-cerveau-droit.richard-martens.eu :

 

A qui est destiné ce stage ?

C’est un stage conçu pour des adultes &/ou des adolescents désireux de savoir dessiner de façon réaliste, donc classique & traditionnelle quant au résultat.

 

Quel est le but de ce Stage ?

Le but est donc simple : savoir dessiner de façon réaliste en 30 heures, grâce au cerveau droit. Pour le dire autrement : apprendre le dessin d’observation de manière réaliste en 30 heures, donc développer la capacité de dessiner comme cela se pratique en occident depuis la Renaissance.

 

Qu’est-ce qui caractérise cette capacité ?

Dessin en cerveau droit : autoportrait de ©Mony C., 2007. DR.
Dessin en cerveau droit : autoportrait de ©Mony C., 2007. DR.

Ce qui caractérise cette faculté de dessiner de façon réaliste, c’est de pouvoir se mettre dans un état de détente, un état neutre ou légèrement euphorique. Ce qu’on pourrait nommer « avoir du plaisir à dessiner »…

Ou pour le dire autrement, pouvoir se mettre à volonté dans ce que j’appelle “l’état de grâce du dessinateur”, c’est-à-dire dans un état de détente neutre ou agréable, proche de la sérénité.

Le beau portrait qui figure ci-contre est un autoportrait de Mony, qu’elle a réalisé en 2007, sur une simple feuille de papier de format A4, au crayon graphite.

 

Comment arriver à cet état et à obtenir cette capacité ?

Basé sur la méthode de Betty Edwards, ce stage est idéal pour toutes celles & tous ceux qui pensent ne pas pouvoir ou ne pas savoir dessiner, et pour toutes celles et tous ceux à qui les méthodes traditionnelles d’enseignement du dessin ne conviennent pas.

Principes & méthodes

Dessin en cerveau droit : autoportrait de ©Thomas BRIE, 2009 DR.
Dessin en cerveau droit : autoportrait de ©Thomas BRIE, 2009 DR.

Betty Edwards expose ce qui suit et quelques autres principes dans la première partie de son livre.

Des études scientifiques font ressortir qu’une partie de notre cerveau, le “cerveau gauche”, ou plutôt la partie gauche de notre cerveau, est dévolue à l’écriture, à la lecture, au langage, à l’analyse, etc.

Le “cerveau droit” est compétent pour le dessin, la relaxation, la synthèse, etc.

Aussi le principe est que, comme l’éducation scolaire privilégie surtout les fonctions dévolues au cerveau gauche (lecture, écriture, calcul, lire l’heure), le cerveau droit aurait tendance a être plus inactif.

Or notre culture occidentale, typique de l’image et de la photographie, développe aussi notre perception visuelle. Et notre esprit critique. Aussi la plupart des enfants, au début de leur scolarité observent que leurs dessins ne reflète pas ou peu la réalité. Aussi, abandonnent-ils le dessin réaliste…

 

Ma métaphore de l’orchestre

Pour illustrer ce qui précède, j’ai imaginé la métaphore suivante : le cerveau serait comme un grand orchestre constitué de deux groupes. L’un serait plutôt “Jazzy” & l’autre plutôt “Classique” :

  • Le “Classique” (cerveau gauche) lit les partitions, est rationnel & méthodique et analytique.
  • Le “Jazzy” (cerveau droit) est spontané, improvise, & est intuitif, synthétique & global.

Et chaque orchestre aurait son chef. Or, en occident, notre éducation (scolaire) privilégie le “cerveau gauche”. De ce fait, son chef d’orchestre a la fâcheuse manie de toujours diriger. Même quand il ne connaît pas la musique… Ou que la “partition”, le morceau n’est pas de son ressort… Dans le domaine du dessin, par exemple !

 

En quoi consiste cette formation, sous la forme d’un stage ou de cours ?

Dessin en cerveau droit : autoportrait ©d'Aurélien C., 2010. DR.
Dessin en cerveau droit : autoportrait ©d’Aurélien C., 2010. DR.

Pour atteindre l’objectif, dessiner de façon réaliste, la formation passe par un sous-objectif.

En quoi consiste ce sous-objectif  du stage, ou des cours ? ,Il consiste a faire en sorte que le “cerveau droit” prenne en charge l’apprentissage du dessin réaliste d’observation, son domaine de compétence.

Et que le cerveau gauche… se “repose”.

Donc divers exercices vont permettent d’atteindre cet objectif, en invitant le “cerveau gauche” à « lâcher prise ». Ceci, grâce notamment :

  • aux dessins “gestaltites” (dessins de vases) ;
  • au dessin à l’envers ;
  • à la lenteur ;
  • au dessin sans voir le papier ;
  • etc.

Tout ceci amène la partie gauche du cerveau (& surtout son chef d’orchestre) à lâcher prise… Ainsi détendu, le stagiaire apprend à voir de façon nouvelle, & à pouvoir enfin dessiner de manière réaliste.

 

Qui anime cette formation ?

Dessin en cerveau droit : autoportrait de ©Richard Martens.
Dessin en cerveau droit : autoportrait de ©Richard Martens.

Je suis l’animateur de cette formation. Mon nom est Richard Martens.

J’ai reçu des formations comme dessinateur, peintre, illustrateur & graphiste :

  • en peinture à l’huile, dès l’âge de 15 ans, par M. Emile Bideault ;
  • à l’École nationale supérieure des Arts-décoratifs de Paris (Ensad (de Paris), dite aussi “Les-Arts-déco”) ;
  • à l’École nationale supérieure des Beaux-arts de Paris (Ensba (de Paris), dite aussi “les-Beaux-arts”) ;
  • etc.

Et j’ai exercé comme peintre-illustrateur, graphiste & calligraphe pendant presque vingt ans… Voici, ci-dessous, un bref  curriculum vitae.

 

Mes formations

  • 1970-1975 : École nationale supérieure des Arts-décoratifs de Paris (Ensad). Diplôme en Communication visuelle en 1975
  • 1971-1978 : École nationale supérieure des Beaux-arts de Paris (Ensba).

Et aussi des cours du soir :

  • Arts-appliqués : dessin animé (3 ans) ; dessin de nu (2 ans) ;
  • Estienne : niveau BTS Expression visuelle (2 ans) ;
  • etc.

Et des cours du jour :

  • Jardin des plantes : Dessin animalier (2 ans) ;
  • Adac : calligraphie (1 an) ; gravure sur bois (1 an).
  • etc.

Expériences professionnelles comme ILLUSTRATEUR

J’ai exercé comme illustrateur dans :

  • Édition1, pour : Opta, Robert Laffont, Hachette, Le livre de Poche, Gallimard…
  • Presse2, dessins intérieurs et/ou couvertures pour : Le Nouvel économiste, Le Nouvel observateur, Le Point, L’Expansion, Les nouvelles, Le Monde dimanche…
  • Bande dessinée3 : Métal hurlant, Bagherra…
  • Jeux vidéo4 pendant environ quinze mois chez Loriciel SA (West Phaser et Harricana).
  • Dessin animé (Babar) au Studio Ellipse (Canal +).

 

Expériences professionnelles comme ENSEIGNANT

  • Enseignement du dessin en cerveau droit depuis 1986 (soit environ trente ans).
  • Enseignement artistique classique depuis 1984 (soit plus de trente ans) à l’Atelier Albers, et aussi à l’Iscom création, à Prép’art, à l’Atelier du Passage…

Matières enseignées, selon les années et les écoles

  • Plâtre.
  • Dessin de nu.
  • Étude documentaire.
  • Techniques graphiques (aquarelle, gouache, acrylique, encres de couleurs, etc.)
  • Créativité.
  • Communication graphique.
  • Typographie.
  • Calligraphie.
  • Illustration.
  • Rough (esquisses réalisées aux feutres).
  • Initiation à la bande dessinée.
  • Initiation au dessin animé.
  • Aérographe (sorte d’outil du style “peinture au pistolet” miniature).
  • Peinture à l’huile.
  • Etc.

 

Comment me joindre ?

Vous pouvez me joindre :

  • par téléphone portable : 06 41 81 00 75
  • par téléphone fixe : 01 43 66 24 14
  • par le biais des commentaires ci-dessous…

 

Où voir des résultats tangibles ?

Dessin en cerveau droit : autoportrait de ©Fayza M., 2010. DR.
Dessin en cerveau droit : autoportrait de ©Fayza M., 2010. DR.

Il y a déjà, bien sûr, ces autoportraits de stagiaires qui illustrent cet article. Ceux de Fayza (ci-contre), de Mony, d’Aurélien et de Thomas…

Vous pouvez aussi voir les exemples donnés par Betty EDWARDS, dans son excellent ouvrage “Dessiner grâce au cerveau droit”1.

Vous pouvez également visiter, mon site, ou il y a beaucoup de dessins d’étudiants, réalisés lors de mes stages :

http://dessin-cerveau-droit.richard-martens.eu/a_listedessins.html

L’objectif premier de ce site est de montrer des réalisations d’élèves. D’où les nombreuses images, car comme l’a dit Napoléon : – “Un bon croquis vaut mieux qu’un long discours.”

Et vous pouvez enfin voir mon blogue Dessin cerveau droit5. Sur ce même blogue, il y a un bref article de Valérie Auriel, dans « Pratique des arts »6, qui a consacré quatre pages à l’un de mes stages…

Comme dans l’ouvrage de Betty Edwards, je montre très souvent des dessins “AVANT” et “APRÈS”, de décor, d’objets divers, de mains, d’autoportraits… Ce sont d’ailleurs des dessins “AVANT” et “PENDANT” !
La qualité des reproductions est parfois faible car il s’agit de photos ou de scans de photocopies ! En effet, les originaux restent la propriété des étudiants.

Autrefois je montrais simplement les photocopies, deux par deux, aux personnes intéressées… Grâce à internet, le visiteur peut voir ce qu’il veut à son rythme… Et c’est très bien.

 

Renseignements concernant les formations : dates, durée, horaires, lieu, tarifs…

La durée est toujours de 30 heures que ce soit pour un stage ou pour des cours.

Pour les stages :

  • soit cinq (5) jours, du lundi au vendredi inclus, donc 5 jours de 6 heures, soit 30 heures, (de 10 h 00 à 13 h 00 & de 14 h 00 à 17 h 00) ;
  • soit quatre (4) jours de 7 h 30, soit 30 heures (de 10 h 00 à 13 h 00 & de 14 h 00 à 18 h 30) ;
  • Soit deux « week-end » (deux samedis et dimanches), soit quatre (4) jours de 7 h 30 par jour, donc 30 heures (de 10 h 00 à 13 h 00 & de 14 h 00 à 18 h 30).

Pour les cours :

  • Dix (10) cours de 3 heures, soit 30 heures. Soit un ou deux cours par semaine (voire plus) selon les choix des étudiants…

Lieu des stages : Paris intra-muros.

Trois tarifs :

  • Étudiant, chômeur ;
  • Plein tarif ;
  • Entreprise.

Les jours et les tarifs sont précisés chaque année. Toutes ces informations sont visibles à cette adresse :

http://dessin-cerveau-droit.richard-martens.eu/stagedessincerve.html

Seul le lieu (dans Paris), décidé en fonction du nombre de personnes, est communiqué aux personnes inscrites.

Bonne visite. Et osez me contacter. Je suis aimable et je réponds (en principe) aux questions…

Avez-vous besoin d’autres informations ? Avez-vous des questions ? Souhaitez-vous me proposer d’autres dates ? Vous pouvez m’envoyer un message ou placer un commentaire ci-dessous. D’avance merci !

Richard Martens

Texte version 2.0, avec remise en liens des images (brisés pour cause de piratage). Texte fortement complété et remis à jour par la même occasion…

Notes

Voici les liens de l’article, au cas où ils seraient brisés dans l’article… Si c’est le cas, il vous suffit de faire un copier-coller du lien ci-dessous, et de le coller dans la barre de votre navigateur…

  1. Edition : http://richard-martens.eu/liste_pour_l’edi.html
  2. Presse : http://richard-martens.eu/liste_pour_la_pr.html
  3. Bande dessinée : http://richard-martens.eu/bd_metal_hurlant.html
  4. Jeux vidéo : http://richard-martens.eu/liste_pour_bd_je.html
  5. Dessin cerveau droit : http://dessin-cerveau-droit.fr/
  6. Article de Valérie Auriel, dans « Pratique des arts » : http://dessin-cerveau-droit.fr/reportage-stage-dessin-cerveau-droit/

Références bibliographiques des livres de Betty Edwards

Pictogramme "Information" par Richard Martens.Information : si vous le souhaitez, vous pouvez acheter ce livre — ce que je vous conseille vivement —, via Amazon.com, en cliquant sur l’une des images ci-dessous. Il va de soi, & c’est mieux en le disant, que si vous l’achetez en cliquant sur l’une ou l’autre de ces photos, cela ne vous coûtera pas plus. et je percevrai un petit pourcentage sur cet achat. Si vous le faite merci d’avance…

Le livre ci-dessous est en français :

Dessiner grâce au cerveau droit (4e édition)

 

Ci-après, il s’agit d’un livre avec des exercices proposés par Betty Edwards :

Dessiner grâce au cerveau droit. Livre d’exercices

Attention ! Le livre ci-dessous est en anglais :

Drawing on the Right Side of the Brain: The Definitive, 4th Edition

Ce livre-ci est dédié à la créativité :

Vision, dessin, créativité, 3e édition

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Dessin realiste en cerveau droit par Thomas Brie

Dessin en cerveau droit : autoportrait de ©Thomas BRIE, 2009 DR.
Dessin en cerveau droit : autoportrait de ©Thomas BRIE, 2009 DR.

Il y a quelques jours, Thomas BRIE, un de mes anciens étudiants en dessin – dont vous pouvez voir l’autoportrait, particulièrement ressemblant – m’a contacté sur Facebook. Nous avons “tchatté” un moment…

Il venait de ranger ses diverses créations, et avait retrouvé ses dessins, réalisés pendant un “Stage de dessin réaliste en cerveau droit”1 que j’avais dispensé, en 2009, pendant les vacances de février-mars – comme chaque année.

Il m’a demandé si des copies de ses dessins m’intéressaient ? J’ai immédiatement répondu par l’affirmative, trop heureux de pouvoir les montrer…

Je lui ai demandé, en les publiant sur internet (sur ce blogue), s’il me permettait de citer son nom de famille. Il a accepté !

J’ai donc le plaisir de vous présenter – & de commenter – les dessins “AVANT-APRÈS” réalisés par Thomas BRIE, lors de ce stage de dessin en cerveau droit, en février 2009…

 

Droits réservés ? Coutume ?

Pictogramme "Point d'exclamation" par Richard Martens.Tout d’abord, sachez que, dans la presse & ailleurs, quand vous voyez, près de la reproduction d’une image, le sigle “DR”, il signifie “Droits réservés”. Pour le dire autrement, la coutume – qui, souvent, en droit Français, fait force de loi – veut qu’une école, ou un professeur a le droit de diffuser & de reproduire les “travaux d’élèves”. Je mets cela entre guillemets, car je préfère le terme “réalisation” ou “création” à “travaux”. Donc, une école, un atelier, un enseignant peut être amené à montrer les réalisations des étudiants, afin de montrer l’efficacité – relative – d’un enseignement… Cependant, en dehors de cette coutume, les droits de reproduction des oeuvres restent la propriété des créateurs, même s’ils ne sont pas (encore ?) des professionnels. La loi qui s’applique, en France, est la loi du 11 mars 1957, sur la propriété artistique. C’est pourquoi, en dehors de mes propres travaux, ou des reproductions tombées dans le domaine public, je ne montre que des “travaux” d’étudiants, réalisés lors de mes stages de dessin en cerveau droit, par exemple, ou dans le cadre de mon enseignement au « défunt » Atelier Albers, où j’ai professé pendant plus de 30 ans. Et je ne mets le nom de famille que si la personne m’y autorise.

Ceci pour dire que les dessins que vous voyez dans cet article sont l’oeuvre de Thomas BRIE, et restent sa propriété. Leur utilisation ailleurs est donc de son ressort, et de lui seul. Si vous souhaitez le contacter, pour une utilisation, laissez simplement votre demande, ci-dessous, dans les commentaires. Merci pour lui de respecter ses droits de reproduction…

Pictogramme "crayon" par Richard Martens.NOTE – Pour ceux que cela intéresse, je vous renvoie à l’article de Wikipédia : “Droit d’auteur en France”2. Et bien sûr, à la source, en France, à savoir, le “Journal officiel”3 d’une part, & d’autre part “Legifrance – Le service public de la diffusion du droit”4.

 

Qu’est-ce que ce stage de dessin réaliste en cerveau droit ?

Pictogramme "Point d'interrogation" par Richard Martens.Basé sur la méthode de Betty EDWARDS, cette formation, d’une durée de 30 heures (5 jours de 6 heures), que je dispense chaque année, permet d’être capable de dessiner de façon réaliste. Et ceci dès la 12e, voire la 15e heure de ce stage. Soit à la fin du 2e jour, ou au début du 3e. C’est à ce moment-là que la “bascule” se fait. Ensuite, cela consiste à consolider cette nouvelle façon de voir le monde & de le traduire en dessin… Réaliste !

Je parlerais plus longuement bientôt de la méthode de Betty EDWARDS.

Pour les personnes désireuses d’en voir plus, je vous invite à aller voir mon sous-domaine dédié à cela, c’est-à-dire dédié au “Stage de dessin réaliste en cerveau droit”, que j’anime régulièrement : http://dessin-cerveau-droit.richard-martens.eu/

 

Qu’est-ce que signifie “AVANT-APRES” ?

Pictogramme "Crayon2" par Richard Martens.Lors de chaque stage, le matin du premier jour, je demande aux stagiaires, ce que j’appelle quatre photographies de départ, soit trois dessins d’observation & un dessin d’imagination, chacun sur une simple feuille de format A4  :

  1. – le dessin d’une de leur main ;
  2. – le portrait d’une personne présente dans la salle ;
  3. – le dessin d’un siège (tabouret, chaise…) ;
  4. – le dessin d’un personnage réaliste en pieds… d’imagination.

J’appelle ces quatre dessins les dessins “AVANT”. Et je nomme “APRES” les dessins faits, sur les mêmes thèmes, pendant le stage, lorsque la personne “bascule” en mode de dessin “cerveau droit”. Voilà ce que signifie “AVANT-APRES”…

 

Dessin de mains, réputé difficile

AVANT – Sa main, dessinée par Thomas

AVANT ! Dessin de sa main au crayon, par ©Thomas BRIE. DR. c. 2009.
AVANT ! Dessin de sa main au crayon, par ©Thomas BRIE. DR. 2009.

Nous pouvons voir que, ce matin du premier jour, Thomas était relativement détendu, quant à la position de sa main gauche.

Le dessin est plutôt efficace.

Les doigts sont peut-être un peu trop fins & un peu trop longs.

Le pouce est un petit peu trop “régulier”, trop maigre… Et les ongles sont un peu trop en relief.

Il y a peu de valeurs, donc peu d’indications des ombres sur la main elle-même. Il y a simplement une ombre portée sur la table. ombre d’un gris moyen, presque gris clair…

Les lignes de “contours” du dessin sont faits d’un certain nombre de petits coups de crayons, comme s’il y avait une certaine “crainte” de “rater” le dessin… Par endroits (poignet, certains doigts), cela génère un trait plus épais…

 

APRES – Sa main, tenant un rouleau de ruban adhésif, dessinée par Thomas

APRES, en cerveau droit. Dessin de sa main tenant un rouleau de ruban adhésif sans dévidoir, par ©Thomas BRIE. DR. 2009.
APRES, en cerveau droit. Dessin de sa main tenant un rouleau de ruban adhésif sans dévidoir, par ©Thomas BRIE. DR. 2009.

Quelques heures plus tard (le lendemain en fin de journée ou le surlendemain matin ?), Thomas a réalisé deux dessins de sa main.

Sur cette première reproduction, nous pouvons voir que la différence est très  nette.

Pas d’ongles bombés.

Les doigts semblent bien proportionnés.

Le dessin est réalisé à l’encre, sans crayonné préalable !

Et Thomas a décidé de valoriser son dessin. Pour cela, il a tracé des hachures pour placer des valeurs…

 

APRES – Une main tenant une paire de ciseaux, dessinée par Thomas

APRES, en cerveau droit. Dessin de sa main tenant une paire de ciseaux, par ©Thomas BRIE. DR. 2009.
APRES, en cerveau droit. Dessin de sa main tenant une paire de ciseaux, par ©Thomas BRIE. DR. 2009.

Voici un autre exemple de l’aisance de Thomas, quand il dessine en cerveau droit…

1. – Là encore, le dessin est plutôt complexe, car la main tient une paire de ciseaux

2. – Là aussi, les proportions sont justes.

3. – Et cette fois aussi, Thomas dessine à l’encre…

Avec, dans les deux cas, une valorisation des dessins, par le biais d’un jeu de hachures simples ou croisées…

 

Premier bilan dans le dessin de mains

1. – Dessins plus complexes

Notons qu’ici, les dessins sont plus complexes, car à chaque fois, il y a un objet qu’il tient en main.

En fait, quand on dessine dans ce que j’appelle “l’état de grâce du dessinateur”, en cerveau droit, plus ce que nous observons est complexe, plus c’est… simple ! C’est paradoxal, comme la vie !

2. – Proportions meilleures

Les proportions sont meilleures : l’épaisseur & la longueur des doigts. Et les ongles sont plus ressemblants…

3. – Dessin à l’encre

La technique employée, c’est une réalisation à l’encre, qui empêche d’effacer en cas d’erreur. Ce qui implique une plus grande prise de risque…

Quand un artiste est à l’aise, détendu, confiant, il peut oser dessiner à l’encre (de Chine, ou stylo bille, etc.) C’est, pour moi, une marque d’assurance, d’aisance en dessin…

 

Portrait et autoportrait, réputés très difficiles !

AVANT – Le portrait d’une condisciple dessinée par Thomas BRIE

AVANT : dessin d'une condisciple par ©Thomas BRIE. DR, 2009.
AVANT : dessin d’une condisciple par ©Thomas BRIE. DR, 2009.

Le dessin, censé être réaliste, semble être – très légèrement – un dessin humoristique, à cause de petites disproportions…

Le crâne est trop petit.

Les yeux & la bouche sont un peu trop grands.

Cette même bouche est trop basse.

Le nez est un peu trop long.

 

APRES – Un autoportrait de Thomas BRIE

APRES : autoportrait au crayon de ©Thomas BRIE ©. DR. 2009.
APRES : autoportrait au crayon de ©Thomas BRIE ©. DR. 2009.

Que dire ! Bravo ? Félicitations Thomas ? Oui, tout cela. Et dire toute mon admiration face à ce résultat !

 

Bilan concernant portrait et autoportrait

La différence entre les deux portraits est stupéfiante !

Cet autoportrait, très ressemblant, pour qui connaît Thomas, se passe quasiment de commentaires.

Réalisé au crayon, le 5e jour, Thomas fait preuve de sensibilité, de subtilités & de nuances dans la gamme des gris, et traduit superbement toutes les nuances d’un autoportrait réaliste &… particulièrement réussi ! C’est d’ailleurs pour cela que j’ai décidé de le mettre en grand format !

Encore bravo Thomas ! Et merci de me permettre de partager ce magnifique autoportrait sur ce blog…

Et merci Mme Betty Edwards pour avoir imaginé cette méthode magique !

Richard Martens

Et vous, qu’en pensez-vous ? Avez-vous aimé ? Préférez-vous le dessin des mains ou l’autoportrait ?

Texte version 2.0. Texte revu et complété, et dessin replacés, pour cause de piratage destructif…

Notes

Voici les liens de l’article, au cas où ils seraient brisé dans l’article… Si c’est le cas, il vous suffit de faire un copier-coller du lien ci-dessous, et de le coller dans la barre de votre navigateur…

  1. Stage de dessin réaliste en cerveau droit : http://dessin-cerveau-droit.richard-martens.eu/index.html
  2. Droit d’auteur en France : http://fr.wikipedia.org/wiki/Droit_d%27auteur_en_France
  3. Journal officiel : http://www.journal-officiel.gouv.fr/
  4. Legifrance – Le service public de la diffusion du droit : http://www.legifrance.gouv.fr/

Pictogramme "Information" par Richard Martens.1. – Information : si vous le souhaitez, vous pouvez acheter ce livre — ce que je vous conseille vivement —, via Amazon.com, en cliquant sur l’une des images ci-dessous. Il va de soi, & c’est mieux en le disant, que si vous l’achetez en cliquant sur l’une ou l’autre de ces photos, cela ne vous coûtera pas plus. et je percevrai un petit pourcentage sur cet achat. Si vous le faite merci d’avance…

 

Le livre ci-dessous est en français :

Dessiner grâce au cerveau droit (4e édition)

 

Ci-après, il s’agit d’un livre avec des exercices proposés par Betty Edwards :

Dessiner grâce au cerveau droit. Livre d’exercices

Attention ! Le livre ci-dessous est en anglais :

Drawing on the Right Side of the Brain: The Definitive, 4th Edition

 

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Portrait de Charles Barbier – 2

Voici donc la seconde partie de l’article sur ce portrait-charge de M. Charles Barbier. Toujours à la plume et à l’encre de Chine. Et avec l’utilisation d’un nouvel outil pour ce dessin : une craie grasse noire ! Explications…

 

 Etape 4 : le placement d’un gris léger avec une craie grasse

Dessin de M. Charles Barbier : 4e étape, le placement de gris à la craie grasse, par ©Richard Martens.
Dessin de M. Charles Barbier : 4e étape, le placement de gris à la craie grasse, par ©Richard Martens.

Afin de commencer la mise en valeur – littéralement – de ce portrait en pied, je place un gris léger, de même valeur, partout où il y a des gris, que cela soit des gris clairs, des gris foncés ou du noir…

Cela grise légèrement une grande partie des cheveux & du visage.

Monter les “valeurs”

Quand on commence par une surface claire, voire une surface blanche, on dit parfois qu’on “monte” les valeurs.

Ceci est valable pour le dessin, aussi bien que pour la peinture. Quel ce soit pour les peintures à l’eau, comme l’aquarelle, la gouache, l’acrylique, ou la peinture à l’huile, les “Alkyd”, les craies grasses, etc.

Quand les frères VAN EYCK ont développé les principes de base de la peinture à l’huile, ils commençaient de peindre sur un fond blanc, et assombrissaient l’oeuvre au fur & à mesure…

Pourquoi utiliser une craie grasse ?

Ici, j’ai employé une craie grasse noire. Pour quelle raison est-ce que j’utilise une craie grasse noire ? Simplement parce qu’une craie noire, grasse de surcroît, va laisser une trace nette, et bien noire. Bien plus noire qu’un crayon graphite. Et sans briller comme le crayon graphite…

En employant un papier légèrement granuleux, la craie grasse, maniée légèrement, laisse d’office une trace très noire à la surface du papier. Sur la “crête” des minuscules reliefs du papier.

Ceci serait impossible à obtenir avec un crayon graphite, qui va briller, et sembler trop pâle par rapport à l’encre de Chine, déposée par la plume !

 

 

Etape 5 : le modelé des cheveux

Dessin de M. Charles Barbier : 5e étape, le modelé des cheveux à la plume, par ©Richard Martens.
Dessin de M. Charles Barbier : 5e étape, le modelé des cheveux à la plume, par ©Richard Martens.

À ce stade, je continue d’assombrir les cheveux avec la craie grasse…

Les craies grasses sont parfois nommées “pastel gras”. Gras parce que les vrais pastels à l’ancienne sont une matière sèche, proche de la craie…

J’ajoute aussi des touches d’encre de Chine à la plume…

À ce stade, le visage semble encore plat. Ce qui est normal, puisque les seules valeurs sont le blanc du papier & le gris très clair de la craie grasse à la surface du papier, sur les seuls reliefs… Donc peu de contraste !

 

Etape 6 : le modelé du visage

Dessin de M. Charles Barbier : 6e étape, le modelé du visage à la craie grasse & à la plume, par ©Richard Martens.
Dessin de M. Charles Barbier : 6e étape, le modelé du visage à la craie grasse & à la plume, par ©Richard Martens.

Pour créer un visage plus “réaliste”, il me suffit de continuer d’assombrir le visage.

Pour cela, je frotte un peu plus fermement la craie grasse. Ainsi le noir se dépose plus profondément dans les creux du papier. En élargissant la trace. Et en générant des parties plus sombres.

Plus j’appuie sur la craie, et plus la zone traitée semble noire.

Si j’écrase très fort la craie – qui est constituée d’un matière plutôt molle – au point de remplir les creux, j’obtiens un noir quasiment semblable à celui obtenu avec de l’encre de Chine.

Ainsi, grâce à cette craie grasse noire, je peux modeler les ombres sur le visage… Du blanc du papier jusqu’au noir, si je le souhaite !

Quand j’estime que le visage & les cheveux sont faits, alors, je peux passer à l’étape suivante…

 

Etape 7 : assombrir les vêtements

Dessin de M. Charles Barbier : 7e étape, le modelé des vêtements à la craie grasse & à la plume, par ©Richard Martens.
Dessin de M. Charles Barbier : 7e étape, le modelé des vêtements à la craie grasse & à la plume, par ©Richard Martens.

Il ne me reste plus qu’à noircir la veste, en veillant à ce que les plis soient visibles grâce à des filets blancs ! Le blanc du papier à peine grisé. Comme des effets de lumière ! Ce qu’on appelle des réserves.

Quant au pantalon, je décide de le griser seulement. De ne pas le noircir. En gris foncé. Ceci afin que les plis – qui eux sont noirs – par contraste, soient encore visibles…

Je considère, maintenant, que le dessin est terminé…

Comme dit le proverbe, “Le mieux est l’ennemi du bien”.

L’un de mes professeur, M. Alain LE FOLL, me disait : “il faut savoir s’arrêter”.

 

Etape 8 : mettre un fond de couleur sur ordinateur…

J’avais décidé que la dernière étape consisterait à mettre un fond de couleur en aplat… Grâce à l’ordinateur.

Ce que j’ai fait, après avoir scanné le dessin.

 

Et une mise en page avec la typographie “Galahad”

Carton d’invitation du CMP pour les 100 ans de M. Charles Barbier. Conception, mise en page et dessin par ©Richard Martens en mars 2012.

Et voici, ci-dessus le résultat final du carton d’invitation…

Un “petit coup” de mise en page, un fond de papier “brun” & le tour est joué. Après avoir choisi une belle typographie, qui connote la magie & le passé… La “Galahad”, nommée par son créateur, en manière de clin d’oeil pour Arthur & les Chevaliers de la Table ronde… Et choisie par moi comme clin d’oeil pour M. Charles Barbier, sa mémoire d’éléphant & son Calendrier perpétuel !

Voilà ! C’est la fin de cet article en deux parties…

Que pensez-vous de cette technique ? L’avez-vous déjà expérimentée ?

Richard Martens

Texte version 2.0, pour une remise en images pour cause de « pire-ratage » (cf. piratage/ »hacker »).

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